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James Caan

Reparto · Conocido por Elf, el duende, Miseria, El Padrino

Actor estadounidense nacido en el Bronx (Nueva York). Desde finales de los años cincuenta trabaja como actor de teatro, primero en una compañía itinerante y más tarde en Broadway. Aunque llega al cine de la mano de Billy Wilder en Irma la Dulce (1963), será Howard Hawks quien le dé su primera gran oportunidad, primero en Peligro… Línea 7000 (1965), donde interpreta a un piloto de carreras y, sobre todo, en El Dorado (1967), enésima revisión del tema hawksiano de la redención de un grupo de hombres esencialmente honestos ante una situación límite. Pero la figura más importante de su carrera artística es sin lugar a dudas Francis Ford Coppola, que en 1968 le ofrece su primer gran papel: encarnar a un patético retrasado en la "road-movie" Llueve sobre mi corazón. También a Coppola debe el que es su personaje más conocido, el violento Santino “Sonny” Corleone en la saga de El Padrino (1972-74), por el que es nominado al Oscar de la Academia al mejor actor secundario. Gran deportista desde su época universitaria en Michigan State, se especializa en papeles de acción, como en la fantasía deportiva Rollerball (1975), de Norman Jewison, o en Los Aristócratas del Crimen (1975), donde tiene la oportunidad de trabajar junto a Robert Duvall, otro actor-fetiche de Coppola, con uno de los grandes directores del género, Sam Peckinpah, sobre un guión de Stirlling Silliphant. Al mismo tiempo, participa en peliculas más intimistas, como El Jugador (The Gambler) de Karel Reisz o Perdido en la ciudad (T. R. Baskin) de Herbert Ross, con quien vuelve a colaborar en Funny Lady (1975). Otro de los directores clave en su carrera es Mark Rydell: su colaboración comienza en 1973 con la amable Permiso para amar hasta medianoche y continúa con Harry y Walter van a Nueva York. Su versatilidad como actor queda demostrada en comedias como La última locura, de Mel Brooks o en sus dos colaboraciones con el sensiblero Claude Lelouch: Otro hombre y otra mujer (1977), secuela de su gran éxito Un hombre y una mujer, y Los unos y los otros (1981). En los años ochenta, su carrera entra en declive, pese a lo cual realiza algunas de sus mejores interpretaciones, como en el western crepuscular Llega un jinete libre y salvaje (1978), dirigida por Alan J. Pakula y espléndidamente fotografiada por Gordon Willis, donde se enfrenta a una gran compañía petrolífera que pretende arrebatar a Jane Fonda su rancho. El fracaso de su debut como director en Hide in plain sight (1980) acentúa su crisis profesional, que se ve agravada por sus problemas de adicción a las drogas y el alcohol. En este delicado momento personal, su amigo Francis Ford Coppola vuelve a ejercer de auténtico “padrino” al ofrecerle un papel protagonista en el drama militar Jardines de piedra (1987), que supone el inicio de una segunda juventud. Otro viejo amigo, Mark Rydell, le proporciona en 1991 el protagonista de Ayer, hoy y siempre, donde interpreta junto a Bette Midler a una pareja de veteranos cantantes enrolados en las fuerzas armadas, que han dedicado toda su vida a entretener a las tropas en los distintos conflictos bélicos del último siglo.

William Beaudine

Dirección · Conocido por Lassie

Director de cine estadounidense nacido en Nueva York. Fue uno de los verdaderos pioneros del cine americano y uno de los escasos que supieron mantenerse tras la irrupción del sonoro. Conocido por sus compañeros de profesión como Bill “One-shot” ("una toma") Beaudine, por su legendaria rapidez al dirigir, sus primeros pasos en el cine los da en la primera compañía de David Wark Griffith, la Biograph, primero como ayudante e incluso actor para pasar muy pronto a dirigir sus propias películas. La mayor parte de este material se ha perdido. Hermano del también director Harold Beaudine, se casa en 1915 con Marguerite Fleischer, con la que tendría cuatro hijos, uno de ellos el actor William Beaudine Jr. En 1926 dirige una de sus mejores y más conocidas películas, Gorriones. Producida por la United Artists y protagonizada por una de las primeras estrellas de la historia del cine, Mary Pickford, es sin lugar a dudas la obra maestra de Beaudine. Sus increíbles decorados, unos pantanos con exuberante vegetación y abundantes caimanes, fueron construidos en los estudios de la Mary Pickford Company, en el bulevar Santa Mónica, por el gran director artístico Harry Oliver. Durante esos años realiza sin descanso películas de todo tipo de géneros en las que se cimenta su fama de artesano efectivo y con capacidad de adaptarse a los más exigentes planes de producción que continuaría durante su etapa sonora y en su posterior paso a la televisión. A su muerte en 1970, y con más de doscientas películas a sus espaldas, es director del DGA, la asociación de los directores de cine de los Estados Unidos.

Mara Wilson

Reparto · Conocido por Matilda

Es una exactriz infantil, escritora, dramaturga, actriz de teatro y de doblaje estadounidense. Comenzó a trabajar de niña y se hizo famosa por sus papeles protagonistas en películas infantiles como Matilda, A Simple Wish, Miracle on 34th Street y Mrs. Doubtfire. Ella es la hija mayor de Mike Wilson, un ingeniero de ascendencia irlandesa de radiodifusión televisiva, y Suzie Shapiro Wilson, una ama de casa judía. Ella tiene tres hermanos mayores Danny, Jon y Joel, y una hermana menor, Anna. La madre de Mara fue diagnosticada con cáncer de mama, el 10 de marzo de 1995. Para ese momento los médicos descubrieron el cáncer demasiado tarde. Suzie Wilson murió el 26 de abril de 1996, mientras que Mara estaba filmando "Matilda", la película fue dedicada a la memoria de Suzie. Mike, el padre de Mara se volvió a casar. En 2005, se graduó de Idyllwild Arts Academy. Estudió en la Universidad de Nueva York. En junio del 2016, hace pública su bisexualidad, destacando también que es atea. Después de ver a su hermano mayor Danny actuando en comerciales, Wilson tenía un interés en el cine, actuando a la edad de cinco años. Su debut en el cine fue en 1993 en "Mrs. Doubtfire", seguido por el remake de 1994 Miracle on 34th Street. En 1994, Wilson tuvo un papel recurrente como "Petrova" en Melrose Place y como "Barbara Barton" en la película para televisión A Time to Heal. Wilson cantó "Make 'Em Laugh" en la 67. Academy Awards de transmisión por televisión el 27 de marzo de 1995, con Tim Curry y Kathy Najimy. En 1995, ganó el premio "ShoWest Award" como "Estrella Joven del Año". Sus actuaciones en esas películas llamaron la atención de Danny DeVito y la llevó a ser elegida como el personaje principal en la película Matilda. Wilson ganó un "Young Artist Award" por su papel en A Simple Wish como "Mejor Actuación de una actriz joven en una Película" y un "Young Star Award" por Matilda en "Mejor Actuación de una Actriz Joven en una Película de Comedia". Ella fue dos veces nominada en los Saturn Award por "Mejor Actuación de un Actor Joven" por Matilda y A Simple Wish. En 1999, interpretó a "Willow Johnson" en la película de televisión de Disney Channel Ballom Farm. Mara audicionó para el papel del remake The Parent Trap, pero se consideró que era demasiado joven para el papel, obteniéndolo Lindsay Lohan. Su aparición en la película del 2000 Thomas and the Magic Railroad fue su último papel cinematográfico importante hasta la fecha. Una vez que se completó Thomas and the Magic Railroad Mara decidió concentrarse en la escuela en lugar de actuar de la película. En ese momento de su carrera los guiones eran enviados a Mara para que ella no tuviera que ir a las audiciones. En 2012, Wilson apareció brevemente en un episodio de una serie web llamada Missed Connection en el papel de "Bitty" e hizo apariciones especiales en That Guy With The Glasses. Ahora trabaja para Publicolor y tiene la esperanza de entrar en novelas para adultos jóvenes y ha escrito su primera obra Off Broadway llamada "Sheeple". Wilson también tiene un papel recurrente en el podcast "Welcome to Night Vale" como "La mujer vieja sin rostro que vive en secreto en tu casa".

Imanol Arias

Reparto · Conocido por Cuéntame cómo pasó

Actor español de cine, teatro y televisión nacido en Riaño, León. De familia de origen vasco, con apenas unos meses regresó a la tierra familiar. Sin haber cumplido los veinte años marchó a Madrid para trabajar en teatro, participando en montajes bajo la dirección de José Tamayo, José Luis Gómez y Miguel Narros, entre otros, algunos para el Centro Dramático Nacional. Su debut cinematográfico tuvo lugar en la película La Corea (1976), de Pedro Olea. Su popularidad se consolidó, especialmente, por sus trabajos para televisión. Como director, también abordó Un instante en tu piel (1988), episodio de la serie Delirios de amor, y el largometraje Un asunto privado (1996), de desigual fortuna.

Morris Ankrum

Morris Ankrum (27 de agosto de 1896 – 2 de septiembre de 1964) fue un actor radiofónico, teatral, cinematográfico y televisivo de nacionalidad estadounidense. Antes de ser contratado por Paramount Pictures en los años 1930, Nussbaum ya había cambiado su apellido por Ankrum. Sin embargo, tras entrar en el estudio eligió utilizar como nombre artístico "Stephen Morris", aunque en 1939 lo cambió a Morris Ankrum. Las facciones severas y sus rasgos marcados le permitieron ser elegido para hacer papeles de reparto con personajes robustos y autoritarios, como científicos, militares (particularmente oficiales), jueces y psiquiatras en más de setenta filmes, la mayor parte de la serie B. Uno de sus papeles sobresalientes tuvo lugar en la película de Metro-Goldwyn-Mayer Tennessee Johnson (1942), un film biográfico sobre el Presidente Andrew Johnson, en la que encarnaba al Senador Jefferson Davis. La carrera cinematográfica de Ankrum fue extensa y duró tres décadas, dedicándose principalmente al género de la ciencia ficción y al del western. Entre sus westerns figuran Ride 'Em Cowboy (1942), Vera Cruz (con Gary Cooper y Burt Lancaster), Apache (1954), y Cattle Queen of Montana, este último con Barbara Stanwyck y Ronald Reagan. Con respecto a sus películas de ciencia ficción, algunas de ellas son Rocketship X-M (1950), Flight to Mars (1951), Red Planet Mars (1952), la película de culto Invasores de Marte (1953), y Earth vs. the Flying Saucers (1956). En 1957 interpretó a un psiquiatra en el clásico de ciencia ficción y film de culto Kronos, y encarnó a militares en Beginning of the End y The Giant Claw.

George Lucas

Reparto · Guionista · Executive Producer · Conocido por Minions & Monstruos, El Imperio contraataca, Indiana Jones y el dial del destino

Fue criado en un rancho de Modesto, California, lugar de cultivo de nueces. Su padre era dueño de una tienda de venta de escritorios y tenía tres hermanos.​ Durante su adolescencia estudió en la Downey High School y era un fanático de las carreras de automóviles, incluso tenía planeado convertirse en un piloto de carreras profesional. Sin embargo sufrió un terrible accidente con su coche poco tiempo después de graduarse en la secundaria, estuvo hospitalizado por varias semanas y estuvo a punto de morir. Este accidente cambió definitivamente su manera de ver la vida. Decidió ir a la preparatoria Modesto Junior College, donde tomó materias como antropología, sociología y literatura, entre muchas otras. También empezó a filmar con una cámara de 8mm. Durante esta época, Lucas y su amigo John Plummer comenzaron a interesarse en el cine Canyon Cinema: proyecciones de cineastas asociados al underground y al avant-garde, como Jordan Belson, Stan Brakhage y Bruce Conner. Lucas y Plummer también comenzaron a ver películas clásicas del cine europeo, como À bout de souffle, de Jean-Luc Godard, Jules y Jim de François Truffaut y 8½ de Federico Fellini. “Ahí fue cuando George comenzó realmente a explorar”, ha dicho Plummer. Gracias a su interés en las carreras automovilísticas Lucas conoció al renombrado cinematógrafo Haskell Wexler quien también compartía su gusto por las carreras. Wexler, quien después trabajaría con Lucas en varias ocasiones, se impresionó por el talento del muchacho: «George tenía muy buen ojo y pensaba de una manera muy visual». Lucas se mudó a la Universidad del Sur de California (USC), donde estudió en la Escuela de Artes Cinematográficas. USC fue una de las primeras universidades en Estados Unidos en contar con una escuela dedicada a la educación del cine. Durante sus años en USC, Lucas compartió el cuarto de los dormitorios universitarios con Randall Kleiser. En el campus también forjó amistad con compañeros como Walter Murch, Hal Barwood y John Milius, entre otros. Este grupo de amigos fue conocido en el campus como The Dirty Dozen (una referencia a la cinta del mismo nombre, estrenada en 1967 y dirigida por Robert Aldrich); los doce alcanzarían cierto éxito en la industria cinematográfica de Hollywood. Lucas también se hizo muy buen amigo de un alumno destacado del campus, con quien colaboraría después en Indiana Jones: Steven Spielberg. Lucas se vio fuertemente influenciado por el curso de Expresión Fílmica impartido por el cineasta Lester Novros y agrupaba los elementos no narrativos de la forma fílmica como el color, la luz, el movimiento, el espacio el tiempo. Otra inspiración fue el realizador serbio (y decano del Departamento de Cine de la USC) Slavko Vorkapich, un teórico del cine que realizó grandes secuencias de montajes para estudios de Hollywood como MGM, RKO y Paramount. Vorkapich enseñó la naturales autónoma de la forma cinemática, y enfatizaba la cualidad dinámica única del movimiento y la energía cinética inherente en las películas.

Aasif Mandvi

Reparto · Conocido por Maligno, La propuesta, El hombre araña 2

Aasif Mandvi ha tenido una carrera de éxito en el cine, la televisión y el teatro. Actualmente, podemos ver a Mandvi como corresponsal en Oriente Medio de "The Daily Show with Jon Stewart", ganadora de un Emmy® y del Peabody, que ahora está en su décimo octava temporada. La película de Mandvi "Today’s Special", una tierna comedia Tandoori al estilo de Nueva York, que coescribió y que protagoniza, se estrenó en los cines de Estados Unidos en 2010. Mandvi interpreta a Samir, un cocinero de talento que sueña con convertirse en un gran chef francés. Pero cuando se ve obligado a abandonar su sueño y encargarse del restaurante indio de su padre en Jackson Heights, su vida cambia para siempre. La película, cuyo estreno mundial tuvo lugar en el Festival de Cine de Londres de 2009, aborda los temas de la comida, la familia, el amor, la magia y Nueva York. Su último trabajo ha sido en la comedia "Los becarios", protagonizada por Owen Wilson y Vince Vaughn. Otras interpretaciones recientes incluyen: "Una historia casi divertida" de Focus Features, "Margin Call", "Sin frenos" y "Dark Horse". También interpretó al comandante Zhao en "Avatar: La leyenda de Aang" de Paramount, del escritor/director M. Night Shyamalan. Pudimos verle en "La proposición" de Disney, junto a Sandra Bullock y Ryan Reynolds. Otros de sus créditos cinematográficos son "Ghost Town" de DreamWorks Pictures, con Greg Kinnear y Ricky Gervais, "Tú la letra y yo la música", con Drew Barrymore y Hugh Grant, el papel protagonista de la película de Merchant/Ivory "The Mystic Masseur", "Pretty Bird"", "Spider-Man 2", "El color del crimen", "The Understudy", "Eavesdrop", "Estado de sitio", "Una terapia peligrosa", "ABCD", "American Chai", "The War Within" y "Sorry, Haters". En 2008, Mandvi fue elegido unas de las "25 Nuevas Caras del Cine Independiente" del Filmmaker Magazine. También presentó los Gotham Independent Film Awards de 2008 en Nueva York. Otros de sus créditos en la televisión incluyen papeles recurrentes en el éxito culto de CBS "Jericho", así como apariciones como actor invitado en "Sexo en Nueva York", "Sleeper Cell", "Los Soprano", "The Bedford Diaries", "Oz", "CSI", "Ley y Orden" y "Urgencias". Mandvi recibió en 1999 el Premio Obie por su show en solitario aclamado por la crítica, "Sakina’s Restaurant". Otros de sus trabajos en los escenarios de Nueva York incluyen el revival de Broadway de 2002 de "Oklahoma!", "Guantanamo: Honor Bound to Defend Freedom", "Homebody/Kabul", "Suburbia", "Trudy Blue" "Speak Truth to Power" y "Disgraced", ganadora de un Premio Pulitzer por la que fue nominado a un Premio Lortel. Mandvi reside actualmente en Nueva York.

Faith Domergue

Faith Domergue (16 de junio de 1924 – 4 de abril de 1999) fue una actriz cinematográfica y televisiva de nacionalidad estadounidense. Nacida en Nueva Orleans, Luisiana, Domergue fue adoptada por Adabelle Wemet cuando tenía seis semanas de edad. Tenía Domergue 18 meses, en 1926, cuando Wemet se casó con Leo Domergue. La familia se mudó a California en 1928, y allí Domergue estudió en la Beverly Hills Catholic School y en la Monica's Convent School. Estando todavía en la high school fue contratada por Warner Brothers, debutando en la gran pantalla con el film Blues in the Night (1941). Tras graduarse en 1942, Domergue siguió intentando hacerse una carrera como actriz. Sin embargo, debido a las lesiones sufridas en un grave accidente de circulación, sus planes quedaron en suspenso. Mientras se recuperaba, acudió a una fiesta a bordo del yate de Howard Hughes. Hughes le compró su contrato con Warner y le dio uno nuevo con RKO Pictures para rodar tres filmes. Tras un estreno sin éxito y largamente demorado de la película Vendetta (1950), Domergue dejó a Hughes. Más adelante trabajó de manera independiente en diferentes producciones, entre ellas la cinta de cine negro Where Danger Lives (con Robert Mitchum), el western Santa Fe Passage y tres filmes de ciencia ficción y monstruos de 1955, It Came from Beneath the Sea, This Island Earth y Cult of the Cobra. Más adelante Domergue rodó películas en el Reino Unido e Italia, y una última incursión en la ciencia ficción con el film Voyage to a Prehistoric Planet (1965). A finales de la década de 1950 y en la de 1960 trabajó en numerosos shows televisivos, entre ellos Have Gun – Will Travel, Bonanza, Perry Mason, y The Rifleman. A finales de los años sesenta Domergue había perdido el interés por la interpretación, y sus últimas actuaciones tuvieron lugar principalmente en cintas de horror de serie B. Empezó a viajar a Roma en 1952, y vivió allí largos períodos de tiempo, mudándose de modo permanente en 1968, y permaneciendo como expatriada en Roma, Ginebra (Suiza), y Marbella (España), hasta el fallecimiento de su marido, el romano Paolo, en 1991. Posteriormente se mudó a Santa Bárbara (California), donde vivió hasta el momento de su muerte.

Robert Altman

Dirección · Conocido por Bonanza, Combat, M*A*S*H

Guionista, productor y director de cine estadounidense, conocido por el carácter idiosincrásico, iconoclasta e innovador de sus películas. Nació en Kansas City, Missouri, y estudió cine en la Calvin Company. A finales de la década de 1950 dirigió telefilmes y documentales publicitarios antes de alcanzar el éxito con M.A.S.H. (1970). Destacó ya entonces por sus métodos de producción poco ortodoxos (el equipo técnico y artístico vivían en el propio decorado —un campamento militar—), su estilo de realización arriesgado (diálogos superpuestos e improvisados, cámara y montaje semidocumentales), así como por su irreverencia hacia la tradición y los géneros clásicos del cine de Hollywood. Después de M.A.S.H., dirigió una serie de películas que tuvieron buena acogida, entre ellas Los vividores (1971), Images (1972), El largo adiós (1973), Thieves like us (1974), California Split (1974) y el musical Nashville (1975). Sin embargo, sus películas se fueron haciendo cada vez más excéntricas e inaccesibles para el público, e incluso para la industria y la crítica cinematográficas, como Buffalo Bill y los indios (1975), Un día de boda (1978) o Quinteto (1979). Después de Popeye (1980), rentable pero apenas valorada, cerró su centro de producción en Hollywood. En la década de 1980, tras dirigir obras de teatro off Broadway, se dedicó a rodar producciones teatrales para la televisión por cable. Los proyectos más destacados de estos años son: Come back to the five and dime (1982), Jimmy Dean, Jimmy Dean (1982), Laundromat (1983), Desechos (1983) y Secret Honor (1984). En 1990 dirigió Vincent y Theo. El interés de Altman por el empleo de formatos alternativos alcanza su máxima expresión en Tanner 88, un proyecto épico para televisión por cable que presenta a un candidato ficticio en las presidenciales de 1988. Está escrito y rodado simultáneamente a la campaña electoral real, e incorpora personajes auténticos como el senador Robert Dole, o Kitty Dukakis, esposa del candidato demócrata Michael Dukakis, mezclados con actores profesionales. Con un esquema similar rodó en 1991 El juego de Hollywood, una sátira sobre el mundo del cine estadounidense que le devolvería a un lugar destacado entre los directores actuales. Este éxito se continuó con Vidas cruzadas (1993), una serie de historias costumbristas entrecruzadas que muestran la vida de hoy en el sur de California a través de distintas parejas. Más reciente es Kansas City (1996), un relato que mezcla los mundos del juego, la prostitución, la Mafia, la política y el jazz en la ciudad que da nombre a la película. En 1998 estrenó la película Conflicto de intereses, protagonizada por el actor y director británico Kenneth Branagh, basada en una historia del escritor de novelas judiciales John Grisham, y en 2000 El doctor T y las mujeres, una comedia en la que Richard Gere interpreta a un ginecólogo en plena crisis de madurez. En Gosford Park (2001), Altman reúne algunos de los intérpretes más brillantes de la escena británica, como Helen Mirren, Derek Jacobi o Maggie Smith. Altman ha sido nominado cuatro veces para el Oscar al mejor director, por M.A.S.H., Nashville, El juego de Hollywood y Vidas cruzadas. Laundromat y Tanner 88 obtuvieron el premio Emmy de 1983 y 1988, respectivamente.

Omar Sharif

Reparto · Conocido por Lawrence de Arabia

Michel Dimitri Shalhoub, conocido como Omar Sharif (árabe: عمر الشريف), también escrito Omar El-Sharifa, nacido el 10 de abril de 1932 en Alejandría y fallecido el 10 de julio de 2015 en El Cairo, es un actor egipcio. Hijo de un comerciante de maderas preciosas, creció en una familia cristiana unida con sus padres y su hermana. Matriculada en el Victoria College, un prestigioso colegio británico de Alejandría, la adolescente estudió ciencias, lenguas extranjeras y también descubrió las clases de teatro. Brillante estudiante, continuó sus estudios en la Universidad de El Cairo, donde obtuvo su diploma en matemáticas y física. Atrapado en su gusto por la interpretación, a los 21 años fue descubierto por el director Youssef Chahine, quien le ofreció un papel protagonista en Ciel d'enfer (1954). El éxito fue inmediato, gracias a este papel, el joven protagonista desfiló por la alfombra roja de la Croisette en el Festival de Cine de Cannes ese mismo año. Se convirtió en una estrella del cine egipcio entonces en plena expansión, y volvió a colaborar con Youssef Chahine (El demonio del desierto, Aguas negras). En 1962, asumió el papel del Príncipe Sherif Ali en Lawrence de Arabia bajo la dirección de David Lean. El rodaje, el primero fuera de Egipto para el actor, marca el comienzo de una larga amistad con Peter O'Toole y un punto de inflexión en la carrera de Omar Sharif. Ganó el Globo de Oro al mejor actor de reparto y decidió dejar su país natal rumbo a Hollywood. En 1955, Omar Sharif se casó con la actriz egipcia Faten Hamama, a quien conoció en el rodaje de Ciel d'Enfer, y por quien se convirtió al Islam. Su hijo Tarek nació en 1957. La pareja se separó cuando el actor decidió seguir su carrera en Hollywood. Su divorcio finalizó unos años más tarde, en 1974. El actor, políglota, inició entonces una carrera internacional. David Lean le ofreció un nuevo papel emblemático con Doctor Zhivago (1965), en el que actuó junto a Geraldine Chaplin. Esta vez ganó el Globo de Oro al mejor actor en 1965. Su filmografía incluye más de cien películas. Sin embargo, el actor tuvo una etapa más desgraciada en la gran pantalla, con algunos fracasos comerciales (Y llegó el día de la venganza, La cita, Los jinetes). Regresó al éxito en los años 2000 con Monsieur Ibrahim y las flores del Corán de François Dupeyron, por la que recibió el César al mejor actor en 2004. El mismo año protagonizó Hidalgo de Joe Johnston. Más raro en los platós de cine, en 2009 aceptó el papel de un pintor enfermo de Alzheimer en Olvidé decírtelo junto a Emilie Dequenne. Aparece en su última película, Rock the Casbah de Laïla Marrakchi, en 2012. En mayo de 2015, su hijo, Tarek El-Sharif, anunció en una entrevista que Omar Sharif padecía la enfermedad de Alzheimer. Murió el 10 de julio de 2015 tras un infarto. Su funeral tuvo lugar el 12 de julio de 2015 en una mezquita de El Cairo y fue enterrado en el cementerio Sayyeda Nefisa, en el sur de la ciudad.

Toshihito Kokubo

Toshihito Kokubo (小久保 寿人, Kokubo Toshihito, 4 de noviembre de 1984) es un actor japonés nacido en la ciudad de Handa, prefectura de Aichi. Pertenece a Ever Green Entertainment. Altura 177 cm. Tipo de sangre B. Es el primer alumno del grupo joven de teatro Saitama Next Theatre, que está presidido por el director Yukio Ninagawa. Ha aparecido en numerosas obras de Ninagawa e interpretó el papel principal en la obra de teatro Edipo rey (dirigida por Yukio Ninagawa). Pasó la audición a la que se presentaron más de 5 000 personas para la serie de Asahi TV Yasuragi no Toki-Michi y fue incluido en el reparto principal. Su actuación como el criminal Hiroki Honma en la serie de la TBS Maison de Police llamó mucho la atención. También destacó su actuación junto a Kaho Minami en la obra de teatro para dos personas Ano dekigoto (That Event, dirigida por Misaki Setoyama), que tuvo lugar en el New National Theatre en noviembre de 2019, en la cual interpretó 11 papeles sin cambiar de vestuario. En febrero de 2020, dejó JFCT y se pasó a Ever Green Entertainment.

Sara Mitich

Reparto · Conocido por Star Trek: Discovery, Los misterios de Murdoch

Sara Mitich se define por su pasión, disciplina y su amplia gama como actriz. Antes de la interpretación, el primer amor de Sara fue el Ballet. A la temprana edad de 9 años, Sara comenzó en la Escuela Nacional de Ballet de Canadá, donde floreció durante varios años. Sin embargo, debido a un repentino crecimiento, Sara se vio obligada a detener su viaje a Prima Ballerina. Poco después, Sara dirigió su atención a la actuación y se graduó en el programa de formación conjunta de actores entre la Universidad de Toronto y el Sheridan College, originario de Hamilton, Ontario, al que ahora llama hogar tanto en Toronto como en Los Ángeles. Sara Mitich es una canadiense de primera generación cuya familia es de Serbia. Habla inglés y serbio con fluidez. En cuanto a su edad, tiene unos veinte años y tiene una altura de 1,50. Con familia y padres que tenían la nacionalidad serbia antes de emigrar a Canadá, ahora es canadiense de corazón, pero Sara no olvida sus raíces serbias, su educación y formación como actriz tuvieron lugar en la Universidad de Toronto y en el Sheridan College. Incluso enseña y entrena a otros estudiantes en Armstrong Acting Studio. Aunque su cumpleaños es el 27 de noviembre, su año de nacimiento sigue siendo un misterio. Sin embargo, Sara parece tener más de treinta años.

John Brahm

Dirección · Conocido por Dr. Kildare, La Dimensión Desconocida, La hora de Alfred Hitchcock

Cineasta germano-estadounidense de origen judío, de verdadero nombre Hans Brahm. Nacido en Hamburgo (Alemania), la vinculación de su familia al medio teatral posibilitaría su vocación postrera: sobrino de un importante productor teatral, llegará a ser notable director de escena, interviniendo además en dos oscuras películas como ayudante de dirección. Pero la subida en 1934 del nazismo al poder truncará su carrera teatral, abandonando en consecuencia el país y trasladándose a Gran Bretaña, donde pasó a desempeñar el puesto de director de producción antes de debutar como director de largometrajes con ‘Broken Blossoms’ (1936), ignota nueva versión del celebérrimo clásico de David Wark Griffith. Así y todo, su experiencia británica iba a resultar efímera, marchando al año siguiente a Hollywood como realizador de filmes de serie B; allí dirigirá algunos trabajos de aprendizaje más o menos logrados antes de firmar sus primeras películas significativas, ya en la década siguiente: ‘Vidas sin rumbo’ (1941), ‘Por fin se decidió’ (1943), ‘Semilla de odio’ (1944). Estos trabajos, relativamente anodinos por lo demás, no le impedirán abrazar durante el bienio 1944-1945 la más plena, e inesperada, inspiración: en efecto y fuera de toda duda, las obras maestras de Brahm son ‘Jack el destripador’ (1944) y ‘Concierto macabro’ (1945), magníficas realizaciones protagonizadas por Laird Cregar y fotografiadas por Lucien Ballard y Joseph LaShelle, respectivamente: la primera es una reconstrucción tan hábil como poética de las andanzas del mítico destripador londinense; todavía más redondeada y asumida, ‘Concierto macabro’ contiene el mejor trabajo de puesta en escena del director, con una secuencia tan absolutamente genial como la que cierra el filme, con el protagonista, un atormentado pianista-asesino, ejecutando su último concierto en medio de un auditorio en llamas. Dominadas por un trabajo fotográfico de estética expresionista, sendas incursiones exploran atmósferas amenazantes con inusitada precisión, haciendo hincapié en algunos elementos inquietantes -la niebla y la noche en ‘Jack el destripador’, el fuego en ‘Concierto macabro’-, denotando una voluntad de estilo que, en cualquier caso, no volvería a mostrar el cineasta. El resto de su filmografía es en extremo desigual, y al relativo desconocimiento de la misma, parcialmente olvidada, cabe sumar su progresiva sumisión a lo trivial: destacaremos únicamente ‘La huella de un recuerdo’ (1946), su último film importante, que junto a ‘Jack el destripador’ y ‘Concierto macabro’ completa una hipotética -aunque evidente- trilogía sobre la psicopatía criminal; ‘Una vida y un amor’ (1947), con Ava Gardner; ‘La Atlántida’ (1948), adaptación de una novela de Pierre Benoît codirigida junto a otros directores; ‘El ladrón de Venecia’ (1950), irrelevante film de aventuras, como el anterior al servicio de la llamada Reina del Technicolor, Maria Montez, en su último papel; ‘El mensaje de Fátima’ (1952), interesante aunque inconsistente aproximación al referido hecho milagroso; y ‘El Mago Asesino’ (1954), inútil contribución al cine de terror. Sus últimos y prolíficos años en activo -su retiro no tuvo lugar hasta 1966- los centraría en la realización televisiva, empero como mero destajista.

Burak Özçivit

Reparto · Conocido por Imperio, El Sultán

Burak Özçivit nació el 24 de diciembre de 1984 en Estambul, Turquía. Es hijo de Bülent Özçivit, cocinero de profesión y de Ceyhan Özçivit, ama de casa. Tiene una hermana más pequeña llamada Burçun, con la que mantiene un estrecho vínculo. Sus abuelos eran jornaleros de algodón en el campo en Antep y, cuando se hicieron famosos por el aceite que extraían de la semilla del algodón, primero los llamaban Çiğitzade y luego Çiğitoğlu. Finalmente, se convirtieron en Özçivit con la ley del apellido​. El padre de su abuelo se apodaba Karadayi y fue un veterano de la Guerra de Independencia Turca, quien vivió toda su vida con restos de metralla en la pierna. Esto le impidió mantener ningún trabajo por lo que comenzó a trabajar como aprendiz en un negocio de baklava y, finalmente, abrió un negocio de kebab, una vocación que continuó el padre del actor.​ Estudió en el departamento de Fotografía de la Facultad de Bellas Artes en la Universidad del Mármara y quedó en el primer lugar en una competición de fotografía en la que participó. Aunque el actor ha confesado que cuando era pequeño quería ser bombero,​ su carrera empezó como modelo debido a que su padre, sin que él lo supiera, envió algunas de sus fotos a la competición "Best Model of Turkey" en la que se convirtió en el ganador en el 2004 con solo 19 años. Fue elegido como segundo en el certamen mundial en 2005. En una reciente entrevista en 2021 en la revista Golden Palm16​, Burak Özçivit se describe como positivo, divertido, romántico, trabajador, muy familiar y algo tímido, características de su personalidad que han corroborado algunos de sus compañeros de profesión.​ En cuanto a su trabajo, ha reconocido que es muy disciplinado y que siempre trata dar lo mejor de sí mismo aunque no está muy orientado a los premios​. De hecho, afirma que su adicción al trabajo es tanto una virtud como su mayor defecto​. En cuanto a sus hobbies, el actor ha confesado ser muy aficionado a los coches, a la pintura (su asignatura favorita en la escuela primaria), a la fotografía y al fútbol, siendo forofo del equipo Fenerbahçe. Su película favorita es La vida es bella, le gusta Martin Scorsese como director y el pianista Fazil Say como músico.​

Jocelyn Brando

Jocelyn Brando (San Francisco, 18 de noviembre de 1919 - Santa Mónica, 27 de noviembre de 2005) fue una conocida actriz estadounidense de televisión, cine y teatro. Además, era la hermana mayor del actor Marlon Brando. Jocelyn Brando, la hermana mayor de Marlon Brando, nació en San Francisco, California, siendo hija de Marlon Brando, padre y de Dorothy Pennebaker Brando. Jocelyn, Marlon y su hermana Frances crecieron sobre todo en Omaha, Evanston y Libertyville, aunque la familia también pasó un tiempo en California. El trauma de los tres hermanos fue el alcoholismo de sus padres, que revistió especial gravedad con su madre, quien más tarde se convirtió en una líder en Alcohólicos Anónimos antes de su muerte. A pesar de que Jocelyn entró en la lista negra por haber firmado una petición de paz, logró una carrera que abarcó cinco décadas en el teatro, el cine y la televisión. Jocelyn Brando llegó a los escenarios de forma natural, apareciendo por primera vez en una producción teatral bajo la dirección de su madre, quien era una principal dirigidora del grupo de teatro de Omaha. Su madre, Dorothy Brando, dirigió también a Henry Fonda, quien comenzó en el teatro en este mismo grupo. Jocelyn hizo su debut en Broadway poco después de su cumpleaños número 22, apareciendo en primer lugar en el Teatro Longacre el 2 de enero de 1942. Su siguiente aparición en Broadway se produjo dos meses después de que su hermano menor comenzara su papel en Un tranvía llamado deseo, el 18 de febrero de 1948. Dicha obra fue todo un éxito. Jocelyn no continuó con su carrera teatral, apareciendo en la comedia The Golden State en la temporada de 1950 a 1951, un fracaso que duró 25 actuaciones. Se recuperó por la aclamación de la crítica, pero sin éxito comercial en 1952. De vuelta al uniforme de un oficial militar, Jocelyn hizo su debut cinematográfico en el drama de la guerra de Don Siegel, China Venture (1953). Cuando llegó por primera vez a Hollywood, ella dio una entrevista con el New York Times en el que ella habló sobre los consejos de su hermano a la actriz principiante. Realizó su segunda película, que fue su papel más conocido en una película: la esposa del detective Glenn Ford en Fritz Lang's The Big Heat (1953). El personaje de Jocelyn fue asesinado por un coche bomba destinado a su marido. Ella también apareció en papeles secundarios en dos de las películas de su hermano, The Ugly American (1963) y The Chase (1965). A finales de 1960, Jocelyn se unió al elenco de la telenovela de CBS, El Amor de la Vida, donde interpretó el papel de la señora Krakauer, madre de Tess (Toni Bua Bull) y Mickey (Alan Feinstein). En la televisión de horario primetime hizo el papel recurrente de la señora Reeves en Dallas. Otras series populares de televisión que ofreció su trabajo incluyen a Richard Diamond, Detective Privado, Alfred Hitchcock Presents, Wagon Train, The Virginian, Kojak y La casa de la pradera. Posteriormente, Jocelyn Brando, conocida por su agudo sentido del humor, montó su propia librería en Santa Mónica, conocida como La Papelera del Libro. Escribió poesía y realizó talleres en su casa en el método intensivo Diario, una técnica de auto-terapia desarrollada por Ira Progoff.

Gerardo Taracena

Reparto · Conocido por Apocalypto

Gerardo Taracena es una de las presencias más intensas, reconocibles y respetadas del cine mexicano contemporáneo. Actor de enorme fuerza física y profundidad emocional, su trayectoria se ha construido a partir de personajes que habitan los márgenes: hombres atravesados por la violencia, la lealtad, la fe y la supervivencia. Su trabajo no busca el lucimiento fácil; nace del cuerpo, del silencio y de una comprensión profunda de la condición humana. Formado en el Centro Universitario de Teatro de la UNAM, Taracena desarrolló desde muy temprano una visión integral del arte escénico, combinando actuación, movimiento y disciplina corporal. Su experiencia en teatro y danza —incluyendo su paso por colectivos internacionales— marcó de manera definitiva su estilo: un actor que piensa con el cuerpo, que habita el espacio con precisión y que convierte cada gesto en significado. A lo largo de más de tres décadas de carrera, Gerardo Taracena ha participado en una vasta cantidad de proyectos cinematográficos, teatrales y televisivos, tanto en México como en producciones internacionales. Su proyección mundial llegó con Apocalypto (2006), dirigida por Mel Gibson, donde su interpretación dejó una huella imborrable por su potencia física y brutal honestidad. A partir de ahí, su carrera se expandió hacia el cine de gran escala con títulos como Man on Fire, The Mexican y Sin Nombre, consolidándolo como un actor mexicano capaz de transitar con naturalidad entre la industria internacional y el cine de autor. En el cine nacional, Taracena ha sido parte de obras fundamentales del nuevo cine mexicano, destacando su trabajo en El violín (2005), actuación que le valió el Premio Ariel y confirmó su lugar como uno de los intérpretes más sólidos de su generación. Su filmografía se caracteriza por elecciones arriesgadas y personajes complejos, siempre al servicio de la historia y nunca del artificio. En televisión y plataformas digitales, ha construido personajes memorables en series como Narcos: México, Diablero, El Pantera, Celda 211 y Queen of the South, donde su presencia impone autoridad, ambigüedad moral y una intensidad que trasciende la pantalla. Taracena pertenece a ese grupo de actores cuya sola aparición redefine el tono de una escena. En 2026 estrena su última película Halcones, dirigida por Ricardo Tavera, su proyecto cinematográfico más reciente. En esta película, Taracena vuelve a explorar las zonas oscuras del poder, la violencia y la herencia emocional, aportando una interpretación contenida y feroz que confirma la madurez de su oficio con su interpretación de Buitre. Halcones se perfila como una obra clave dentro del cine mexicano contemporáneo y como un nuevo testimonio del compromiso artístico del actor. Gerardo Taracena no interpreta personajes: los encarnó. Su legado se sostiene en una carrera coherente, valiente y profundamente humana, construida desde la disciplina, el riesgo y una inquebrantable fidelidad al arte de actuar. Es, sin duda, una de las figuras imprescindibles del panorama audiovisual mexicano e internacional.

Lorenzo Lamas

Reparto · Conocido por Renegado, Falcon Crest, Vaselina

Lorenzo Lamas (Santa Mónica, California; 20 de enero de 1958) es un actor de cine y televisión estadounidense. Es hijo del actor argentino Fernando Lamas y la actriz Arlene Dahl. Estudió en la Tony Barr´s Film Actors Workshop y su primer papel en televisión fue en 1976, aunque ya había debutado en 1969 como extra en el western Cien rifles. En 1978 obtuvo un papel secundario en la exitosa versión cinematográfica del musical Grease, dando vida a Tom Chisun, un jugador de fútbol americano que intenta ligar, sin éxito, con Sandy (Olivia Newton-John). Un año más tarde, interviene en la serie de televisión California Fever, pero no será hasta 1981 cuando tenga su gran oportunidad; participa en la serie Falcon Crest interpretando a Lance Cunson, nieto de Angela Channing, papel interpretado por la actriz Jane Wyman, gran amiga de su madrastra Esther Williams (que se casó con el padre de Lorenzo cuando éste tenía sólo 8 años), de quien heredó el gusto por los deportes acuáticos, sobre todo el buceo.

Kwak Sin-ae

Producción · Conocido por Parásitos

Mackenzie Cardwell

Reparto · Conocido por Recuerdos Borrados

Mackenzie Cardwell conocida por su papel en Upload (2020), Pequeño pez (2020) y Sin palabras (2019).

Vicky Hernández

Reparto · Conocido por Sin senos sí hay paraíso

Nació en la ciudad de Tuluá el 14 de octubre de 1945, sin embargo a los 3 años se trasladó con su madre, Cecilia Salcedo, y sus hermanos a Bogotá tras la muerte de su padre Jesús María Hernández Castro. Trayectoria Estudió en el Colegio José Agustín Pulido. A los 6 años empezó su carrera en un grupo escénico infantil junto a una de sus hermanas. A esa edad realizó muchos musicales entre los que cabe destacar El mundo del niño, Ábrete sésamo y Música para niños. En los años posteriores siguió participando en obras de teatro de William Shakespeare, Franz Kafka y muchos otros autores reconocidos que le fueron abriendo el campo en el mundo de la actuación. En 1968 regresa a Cali y trabaja como profesora de teatro en el Instituto Popular de Cultura, en el Instituto Departamental de Bellas Artes y en el Colegio Jorge Isaacs. En 1976 regresa a Bogotá a trabajar en el teatro popular de esta ciudad. Años más tarde entra en la televisión participando en aclamadas series colombianas como El coleccionista, Azúcar en donde interpretó a la inolvidable Tía Raquel, Romeo y Buseta y La casa de las dos palmas. Vicky es una de las actrices que ha logrado incursionar en el cine internacional teniendo destacadas participaciones en películas europeas y americanas. Entre ellas: la coproducción La toma de la embajada; Crónica de una muerte anunciada de Francesco Rosi, junto a Rupert Everett, Ornella Muti e Irene Papas; y Prueba de vida junto a Russell Crowe y Meg Ryan.

Rosario Dawson

Reparto · Conocido por Control total, Lego Batman: la película, Sin City 2: Una Dama Fatal

Rosario Dawson (n. Nueva York; 9 de mayo de 1979) es una actriz y escritora estadounidense, que ha trabajado en películas como Sin City y Men in Black II. Dawson comienza muy joven su carrera como actriz de modo casual, tras aceptar la propuesta de Larry Clark —quien se fijó en ella en las calles de su ciudad natal— de participar en su primera película Kids, en 1995. Dos años más tarde, el director Spike Lee la unió a Denzel Washington en He Got Game, y su carrera despegó. Pero no ha sido un camino fácil. "Me he encontrado con racismo", comentó Rosario al Daily Mail, "pero los tiempos están cambiando. Conocí a algunos directores de casting cuando estaba en Londres, y si eres un gran actor en el Reino Unido, se obtiene el papel."2​ Tiene la intención de producir una película basada en un cómic creado por ella, "The Occult Crimes Taskforce", protagonizado por Sophia Ortiz, una policía encargada de investigar crímenes sobrenaturales.2​ Ha producido una película llamada Descenso, en la que interpreta a una víctima violada tratando de componer su vida nuevamente. En éste, como en otros proyectos, Rosario hace uso del cine para mostrar a las mujeres que normalmente no tienen voz.2​ Ha sabido combinar actuaciones tanto en películas comerciales como en otras dentro del cine más independiente, trabajando con directores como Robert Rodríguez, Kevin Smith, Oliver Stone o Spike Lee. Parte de su tiempo lo dedica a obras de caridad, como Global Cool, que hace campaña para la concienciación sobre el cambio climático, y es particularmente activa en Voto Latino, un grupo que co-fundó para alentar a los jóvenes Latinos de Estados Unidos a registrarse y votar.2​ A partir de la década de 2010 ha ganado fama además por interpretar el rol de Claire Temple / Night Nurse en las series de Marvel producidas en la plataforma online Netflix, siendo estas: Daredevil (2015-2016), Jessica Jones (2015), Luke Cage (2016), Iron Fist (2017) y The Defenders (2017).

Martin Balsam

Reparto · Conocido por 12 Hombres en Pugna, Psicosis, Dr. Kildare

Martin Balsam fue un actor estadounidense ganador del premio Óscar. Participó en varias películas míticas, como Psicosis, Desayuno con diamantes, Doce hombres sin piedad y Todos los hombres del presidente. Estudió en la Escuela de Arte Dramático de Nueva York y sirvió en la Fuerza Aérea. En 1952 contrajo matrimonio con Perla Sommer, de la que se divorció dos años después. En 1959 volvió a contraer matrimonio, esta vez con Joyce Van Patten, con la que tuvo una hija y de la que se divorció en 1962. En 1963 contrajo su tercer matrimonio con Irene Molinero con la que tuvo dos hijos y con la que vivió hasta su fallecimiento. En televisión, participó en el capítulo There Goes The Ballgame de 1967, de la famosa serie El fugitivo, en el papel del dueño de un periódico a quien le secuestran a su hija Nadine, interpretada por Linda Day. En teatro intervino en títulos como La rosa tatuada (1951), de Tennessee Williams.

Vincent Schiavelli

Reparto · Conocido por Ghost: La Sombra del Amor, Batman regresa, Atrapado sin Salida

Vincent Andrew Schiavelli fue un actor siciliano-estadounidense, notorio por su trabajo en teatro, cine y televisión. Schiavelli debutó en el cine en 1971 con la película Juventud sin esperanza, del director de origen checo Miloš Forman, quien contó con él para buena parte de sus proyectos posteriores. Fue con este realizador con el que interpretó algunos de sus papeles más aplaudidos, como el del lunático Frederickson en Atrapado sin salida o Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) o criado de Salieri en Amadeus (1984), además de aparecer en cintas como Valmont (1989), El escándalo de Larry Flint (1996) o Man on the Moon (1999). Con una altura de 1,96 metros y un rostro que podía transformarse en una máscara lúgubre, Schiavelli encarnó a secundarios inolvidables, como en Ghost (1990), película en la que era el voluble fantasma del metro de Nueva York que ayudaba al personaje de Patrick Swayze a manejarse en el mundo material. El actor interpretó más de un centenar de personajes en cine y televisión, con apariciones en series que fueron desde Starsky y Hutch y Miami Vice hasta The X-Files.

Ingmar Bergman

Escritor, director y productor de teatro, cine, radio y televisión sueco, sin duda la figura más destacada del cine escandinavo. Nació en Upsala, hijo de un pastor protestante, y se educó en la Universidad de Estocolmo, donde estudió literatura e historia del arte antes de incorporarse como ayudante de producción en la ópera Real de Estocolmo. En 1943, por el montaje de su obra La muerte de Gaspar (1942), la productora Svensk Filmindustri (SF) le contrató para el departamento de guiones. El año siguiente, esta productora hizo una película a partir de su novela corta Tortura, que finalmente dirigiría Alf Sjöberg. De 1944 a 1952 Bergman fue director artístico del Teatro Municipal de Helsingborg, periodo en que dirigió su primera película para la SF, Crisis (1946) y una serie de adaptaciones para el productor independiente Lorens Malmstedt. La última, La prisión (1948), bien acogida por la crítica, en la que aparecen ya sus preocupaciones existenciales, inicia el reconocimiento internacional de este autor, que se verá aumentado con Juegos de verano (1950) y Un verano con Mónica (1952). En el amplio conjunto de su obra, ha escrito, producido y dirigido películas que abarcan desde la comedia ligera al drama psicológico o filosófico más profundo. En sus comedias, que incluyen Una lección de amor (1954), Sonrisas de una noche de verano (1955) o El ojo del diablo (1960), es destacable el tratamiento lírico de su contenido sexual explícito. Entre sus obras dramáticas, El séptimo sello (1956) es una lúgubre alegoría de la relación de la humanidad con Dios y la muerte. Entre los recursos narrativos que emplea está la iconografía cristiana, por lo que sus trabajos aparecen rodeados de un halo misterioso.