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El Efecto Mariposa

2004

Evan Treborn sufre desmayos durante acontecimientos significativos de su vida. A medida que crece, encuentra una forma de recordar estos recuerdos perdidos y una forma sobrenatural de alterar su vida.

Logan Lerman

Reparto · Conocido por Las ventajas de ser invisible, Percy Jackson y el ladrón del rayo, Corazones De Hierro

Logan Wade Lerman es un actor estadounidense, popular sobre todo por haber protagonizado la saga cinematográfica de Percy Jackson. Apareció en varios comerciales de televisión a mediados de la década de 1990, y más tarde obtuvo un rol estelar en la serie de la cadena The WB Jack & Bobby, así como papeles en películas como El efecto mariposa (2004) o Hoot (2006). Sus interpretaciones en largometrajes como 3:10 to Yuma, The Number 23, Meet Bill, Gamer y My One and Only fueron bien recibidas. Posteriormente, encarnó a D'Artagnan en el filme de 2011 Los tres mosqueteros, así como protagonizó el drama The Perks of Being a Wallflower.

Carolina Miranda

Reparto · Conocido por Señora Acero

Nacida en Guanajuato, México, Carolina Miranda es una actriz conocida principalmente por su trabajo en telenovelas y series de televisión. Apareció por primera vez en la pantalla chica en 2012 en Los Rey como Fina Rey antes de encontrar un papel protagónico en la telenovela Las Bravo donde interpretó a Carmen Bravo. El papel de Carmen Bravo le valió a Carolina Miranda un premio Palma de Oro, un premio reconocido a nivel nacional. En 2015, Carolina formó parte de un reality show, La Isla. En ese mismo año, actuó en una obra llamada La Visita del Ángel, dirigida por Raúl Quintanilla. Carolina también trabajó en dos series web, Amor de Ciegas y La Cena, la cual ganó Mejor Serie Web en el Festival de Baja California. Recientemente completó su quinta temporada del exitoso programa de televisión de Telemundo, Señora Acero, Carolina recibió The Produ Awards como Actriz Revelación en 2016 por interpretar a la reina del narco, Vicenta Acera, donde fue elegida de un gran panel de productores y ejecutivos donde compiten diferentes producciones y actores a nivel internacional. Carolina Miranda también ganó Mejor Actriz en Los México Awards en 2018, demostrando el gran efecto que tiene en el entretenimiento.

Jayne Mansfield

Jayne Mansfield (nacida Vera Jayne Palmer; Bryn Mawr, Pensilvania, 19 de abril de 1933-Slidell, Luisiana, 29 de junio de 1967) fue una actriz, cantante y modelo estadounidense. Considerada uno de los principales símbolos sexuales de finales de los años 1950, Mansfield protagonizó populares películas de Hollywood en las que se recalcaron su cabello platinado, su figura rotunda y su prominente busto. Firmó un contrato por seis años con 20th Century Fox y, por la interpretación de sus papeles, fue comparada por la crítica con sus contemporáneas Marilyn Monroe y Mamie Van Doren. Mansfield fue asimismo Playmate de la revista Playboy en febrero de 1955, aunque siguió apareciendo en dicha publicación en otras ocasiones. Aunque en la década de 1960 disminuyó la demanda de actrices rubias de su estilo, Mansfield siguió conservando su popularidad, tanto en Estados Unidos como en el extranjero, y obtuvo importantes ganancias con sus presentaciones en vivo en clubes nocturnos. En el plano cinematográfico, apareció en largometrajes de clase B de géneros melodrama y comedia, la mayoría de ellos filmados en Europa, como Heimweh nach St. Pauli y L'Amore Primitivo. Por Promises! Promises! (1963), se convirtió en la primera actriz estadounidense de fama internacional en aparecer desnuda en una película de Hollywood. La actriz estuvo casada tres veces y tuvo cinco hijos. Se le atribuyen, además, numerosos romances, por ejemplo con los políticos Robert F. Kennedy y John F. Kennedy, y otros hombres, como Claude Terrail, propietario de un restaurante parisino, y el "playboy" brasileño Jorge Guinle. Es madre de la actriz Mariska Hargitay, protagonista de Law & Order: Special Victims Unit. Jayne Mansfield murió la noche del 29 de junio de 1967, al estrellarse el automóvil en que viajaba con la parte trasera del remolque de un camión, en una autopista del estado de Luisiana. La actriz tenía 34 años. Iba acompañada por su chófer, por su último amante (el abogado Sam Brody), y por tres de sus hijos. Los tres adultos, que viajaban en el asiento delantero, fallecieron en el acto. En cambio, los niños, al estar en el asiento trasero, solo sufrieron lesiones y heridas sin gravedad. El accidente de tráfico en el que falleció en 1967 puso un abrupto punto final al declive artístico de Jayne Mansfield y tuvo un efecto inesperado: el organismo regulador de la seguridad viaria obligó a instalar una barra parachoques en la parte inferior de los remolques de tractor. En Estados Unidos, este tipo de protección sigue siendo conocida como ‘la barra Mansfield’.

Toshirō Mifune

Reparto · Conocido por El cielo y el infierno, Los Siete Samuráis

Toshirō Mifune fue un prolífico y consagrado actor japonés. Se le conoce sobre todo por sus papeles en las obras maestras de Hiroshi Inagaki (en el papel del mítico samurái Miyamoto Musashi) y en varias películas de Akira Kurosawa de los años 1950 y 1960 como Los siete samuráis y Rashomon. Toshirō Mifune nació de padres japoneses metodistas en Tsingtao (transcripción del chino mandarín también ortografiada como «Qingdao»), en la provincia china de Shandong. Debido a su nacimiento en China, sus padres le dieron también un nombre en chino mandarín (Sanchuan Minlang) además de su nombre de nacimiento en japonés (Toshirō Mifune). Su padre Tokuzo, un hombre de negocios emigrado a China, lo familiarizó con la fotografía. Después de terminar la escuela cursó estudios de bachillerato en el Instituto de Port Arthur, y fue admitido en la Armada Imperial Japonesa cumpliendo con el servicio militar durante la Segunda Guerra Mundial. Estando en la Armada, sus conocimientos de fotografía fueron apreciados y fue destinado al reconocimiento aéreo. Terminada la guerra, Mifune trabajó para Toho films como asistente de cámara. Un amigo suyo envió entonces una fotografía suya a un casting de actores de cine, pero sin que él lo supiera. Mifune fue seleccionado y a pesar de no haber emprendido él mismo la candidatura aceptó el hacerse actor. Aprendió actuación en una improvisada escuela interna de arte dramático de Toho Films que surgió a raíz de una huelga de actores. En 1947 Mifune se sometió a una prueba para nuevos actores, pero no fue admitido. No obstante, un director llamado Kajiro Yamamoto se fijó en él y lo recomendó a otro director, Senkichi Taniguchi, quien lo contrató para la que sería la primera película de Mifune, Shin Baka Jidai, que se rodó en ese mismo año. En 1949 conoce a Akira Kurosawa y traba una sólida amistad de mutua colaboración y proporciona a Mifune una rampa de despegue al éxito. Mifune fue el actor favorito del conocido director Akira Kurosawa. En efecto, a lo largo de su dilatada carrera, Mifune intervino en 16 películas de Akira Kurosawa, la mayoría de las cuales se convirtieron en clásicos del cine japonés. Famoso es el filme Los siete samuráis (1954) donde se aprecia toda la calidad interpretativa de Mifune y por el que se hizo conocido mundialmente. Sus prodigiosas actuaciones, con una fuerte prestancia interpretativa, dieron vida a personajes rígidos, duros y crudos de modales como samuráis itinerantes y ronin con una particular intensidad a la que a menudo matizaba con delicados toques de humor. Otra película famosa donde actuó fue Rashomon, donde interpretó a un asaltante involucrado en un asesinato. A comienzos de los 60, Mifune y Kurosawa se alejan progresivamente y se evitan mutuamente por tres décadas. En 1963, Mifune funda su propia compañía productora, Mifune Geijutsu Gakuin (三船芸术学) Productions donde da impulso al cine japonés. Fue el actor japonés más conocido en todo el mundo, galardonado en dos ocasiones con la Copa Volpi como mejor actor en el Festival de Cine de Venecia, en 1961 por Yojimbo y en 1965 por Barbarroja. Intervino en varias películas y producciones para la televisión estadounidense.

Irwin Allen

Productor y director cinematográfico y televisivo estadounidense, máximo exponente del "cine de catástrofes" durante la década de 1970. Hábil empresario, pero pobre cineasta, descolló primero en el medio televisivo antes de consolidar su prestigio en la gran pantalla, sobre todo a raíz del resonante éxito comercial de sus dos más conocidas y memorables producciones, La aventura del Poseidón (Ronald Neame, 1972) y El coloso en llamas (John Guillermin, 1974), dinámicos y estimables entretenimientos, ambientados en un transatlántico y un rascacielos respectivamente, y a cuya espectacularidad sistemática y trivialidad explícita cabe sumar sus repartos estelares, haciendo frente a personajes estereotipados. En pocas palabras, películas-de-productor, en las que los nombres de realizadores tan pulcros y funcionales como Neame y Guillermin al frente de la dirección no lograban desplazar la marca del verdadero artífice del producto: Irwin Allen. Pero las cualidades del productor no acompañaban al realizador: en efecto, el trabajo de Allen como director resulta harto anodino, televisivo y estándar, sin la menor garra narrativa. Así, y dejando al margen el oficio de algunas secuencias de acción debidas a su mano en la referida La aventura del Poseidón, la filmografía de Allen como director cinematográfico se reduce a seis largos de ficción, amén de un par de documentales. Los resultados de estos filmes oscilan entre lo discreto e intrascendente (Viaje al fondo del mar, 1961) hasta lo desastroso e insufrible (Más allá del Poseidón, 1979). Entre medias podría destacarse, por la curiosidad que significa, su filme acaso menos reputado, El enjambre (1978), en su día un estrepitoso fracaso crítico-comercial, y que hoy puede verse como una muestra de la decadencia del subgénero que Allen consolidara un lustro antes.

John Brahm

Dirección · Conocido por Dr. Kildare, La Dimensión Desconocida, La hora de Alfred Hitchcock

Cineasta germano-estadounidense de origen judío, de verdadero nombre Hans Brahm. Nacido en Hamburgo (Alemania), la vinculación de su familia al medio teatral posibilitaría su vocación postrera: sobrino de un importante productor teatral, llegará a ser notable director de escena, interviniendo además en dos oscuras películas como ayudante de dirección. Pero la subida en 1934 del nazismo al poder truncará su carrera teatral, abandonando en consecuencia el país y trasladándose a Gran Bretaña, donde pasó a desempeñar el puesto de director de producción antes de debutar como director de largometrajes con ‘Broken Blossoms’ (1936), ignota nueva versión del celebérrimo clásico de David Wark Griffith. Así y todo, su experiencia británica iba a resultar efímera, marchando al año siguiente a Hollywood como realizador de filmes de serie B; allí dirigirá algunos trabajos de aprendizaje más o menos logrados antes de firmar sus primeras películas significativas, ya en la década siguiente: ‘Vidas sin rumbo’ (1941), ‘Por fin se decidió’ (1943), ‘Semilla de odio’ (1944). Estos trabajos, relativamente anodinos por lo demás, no le impedirán abrazar durante el bienio 1944-1945 la más plena, e inesperada, inspiración: en efecto y fuera de toda duda, las obras maestras de Brahm son ‘Jack el destripador’ (1944) y ‘Concierto macabro’ (1945), magníficas realizaciones protagonizadas por Laird Cregar y fotografiadas por Lucien Ballard y Joseph LaShelle, respectivamente: la primera es una reconstrucción tan hábil como poética de las andanzas del mítico destripador londinense; todavía más redondeada y asumida, ‘Concierto macabro’ contiene el mejor trabajo de puesta en escena del director, con una secuencia tan absolutamente genial como la que cierra el filme, con el protagonista, un atormentado pianista-asesino, ejecutando su último concierto en medio de un auditorio en llamas. Dominadas por un trabajo fotográfico de estética expresionista, sendas incursiones exploran atmósferas amenazantes con inusitada precisión, haciendo hincapié en algunos elementos inquietantes -la niebla y la noche en ‘Jack el destripador’, el fuego en ‘Concierto macabro’-, denotando una voluntad de estilo que, en cualquier caso, no volvería a mostrar el cineasta. El resto de su filmografía es en extremo desigual, y al relativo desconocimiento de la misma, parcialmente olvidada, cabe sumar su progresiva sumisión a lo trivial: destacaremos únicamente ‘La huella de un recuerdo’ (1946), su último film importante, que junto a ‘Jack el destripador’ y ‘Concierto macabro’ completa una hipotética -aunque evidente- trilogía sobre la psicopatía criminal; ‘Una vida y un amor’ (1947), con Ava Gardner; ‘La Atlántida’ (1948), adaptación de una novela de Pierre Benoît codirigida junto a otros directores; ‘El ladrón de Venecia’ (1950), irrelevante film de aventuras, como el anterior al servicio de la llamada Reina del Technicolor, Maria Montez, en su último papel; ‘El mensaje de Fátima’ (1952), interesante aunque inconsistente aproximación al referido hecho milagroso; y ‘El Mago Asesino’ (1954), inútil contribución al cine de terror. Sus últimos y prolíficos años en activo -su retiro no tuvo lugar hasta 1966- los centraría en la realización televisiva, empero como mero destajista.

Dario Argento

Guionista · Conocido por Érase una vez en el Oeste

Cineasta italiano, la figura más representativa del subgénero cinematográfico denominado “giallo”, característica hibridación de cine policíaco y de terror, con algunos elementos narrativos propios del cine fantástico. Hijo del productor Salvatore Argento, crítico y guionista en sus comienzos -interviene en la escritura del guión de ‘Hasta que llegó su hora’ (Sergio Leone, 1968), entre otras-, debuta como director con ‘El pájaro de las plumas de cristal’ (1969), artificiosa mezcolanza de códigos y estilos, en exceso supeditada a la sofisticada resolución de los crímenes; esta película, considerada el primer título adscrito al “giallo” -pese a que Mario Bava, verdadero padre espiritual del subgénero, ya había ofrecido dos filmes germinales algunos años antes-, alcanzó un gran éxito comercial, lo que le llevaría a su director a repetir la fórmula en otros dos títulos de mayor interés, ‘El gato de las nueve colas’ (1970) y ‘Cuatro moscas sobre terciopelo gris’ (1971), que completan la llamada “trilogía zoológica”. Tras ‘Le cinque giornate’ (1973), fracasado intento de cine histórico, Argento entrega sus mejores obras: ‘Rojo oscuro’ (1975), fascinante puzzle policíaco-terrorífico cuyos golpes de efecto no invalidan su inventiva cinematográfica; ‘Suspiria’ (1977), donde incide en el empleo de los colores como elemento dramático, confiriendo a la arquitectura un protagonismo nuevo; y, sobre todo, ‘Inferno’ (1980), su obra maestra y uno de los títulos capitales del moderno cine de terror, en la que el barroquismo de su exposición alcanza su mejor plasmación audiovisual: continuación colateral de ‘Suspiria’, pero todavía más depurada e imaginativa si cabe que ésta, tanto en la puesta en escena como en sus elementos externos (escenografía, iluminación, banda sonora, interpretación, etc.), ‘Inferno’ significa el cenit de un estilo que agotaba aquí todas sus posibilidades. Las siguientes películas de Argento, empero, no resisten la comparación con estos tres singulares títulos, y pese al relativo interés de ‘Tenebre’ (1982), su último film realmente consistente, la mediocridad y el vacío creativo terminan de afirmarse en ‘Phenomena’ (1985) y ‘Ópera’ (1987), frente al hipotético valor de su mediometraje inspirado en Edgar Allan Poe ‘El gato negro’, segundo y último segmento del film-homenaje ‘Los ojos del diablo’ (1989), que constituye un abigarrado ejercicio de estilo cuyo máximo interés, no obstante, reside en el virtuoso empleo de la cámara; desde entonces, entrada la década de 1990, su cine se despersonaliza a lo largo de una serie de títulos sin especiales valores cinematográficos, nuevas entregas de sus temas y obsesiones recurrentes: ‘Trauma’ (1993), retahíla de lugares comunes, realizada en coproducción con Estados Unidos; ‘El síndrome de Stendhal’ (1996); ‘El fantasma de la Ópera’ (1998), infecta adaptación del clásico de Gastón Leroux; ‘Insomnio’ (2001), torpe y fragmentario remedo de sus primeros films, donde sólo logra destacar una secuencia nocturna, desarrollada en un tren en marcha; ‘Il Cartaio’ (2004); ‘La madre de las lágrimas’ (2007), innecesaria prolongación temática de ‘Suspiria’ e ‘Inferno’; o ‘Giallo’ (2009), inútil producto que pretende homenajear pasados fastos.

Capitán América: Un nuevo mundo

2025

Tras reunirse con el recientemente electo presidente de los Estados Unidos Thaddeus Ross, Sam se encuentra en medio de un conflicto internacional. Debe descubrir la razón de un nefasto complot mundial antes de que el verdadero artífice detrás del mismo haga que el mundo entero entre en caos.

Van Helsing: Cazador de monstruos

2004

‎¡El legendario cazador de monstruos Van Helsing (Hugh Jackman) es convocado a la misteriosa Transilvania en una misión que lo empujará a una batalla arrolladora contra las fuerzas de la oscuridad! Con acción sin parar y efectos especiales electrizantes, Van Helsing es un evento cinematográfico impulsado por la adrenalina que Roger Ebert llama "¡Espectacular!"‎

Guillermo del Toro

Dirección · Guionista · Producción · Conocido por Blade II, El Hobbit 3: La batalla de los Cinco Ejércitos, El Libro de la Vida

Guillermo del Toro Gómez, nacido el 9 de octubre de 1964, es un cineasta, autor y artista mexicano. Su obra se ha caracterizado por una fuerte conexión con los cuentos de hadas, el goticismo y el terror, combinando a menudo estos géneros para infundir belleza visual o poética en lo grotesco. Ha tenido una fascinación de toda la vida por los monstruos, que considera símbolos de gran poder. Es conocido por ser pionero de la fantasía oscura en la industria cinematográfica y por el uso de imaginería insectoide y religiosa, sus temas relacionados con el catolicismo, la celebración de la imperfección, los motivos del inframundo, los efectos especiales prácticos y la iluminación dominante en tonos ámbar. A lo largo de su carrera, del Toro ha alternado entre películas en español —como Cronos (1993), El espinazo del diablo (2001) y El laberinto del fauno (2006)— y películas en inglés, como Mimic (1997), Blade II (2002), Hellboy (2004) y su secuela Hellboy II: El ejército dorado (2008), Pacific Rim (2013), La cumbre escarlata (2015), La forma del agua (2017), El callejón de las almas perdidas (2021) y Pinocho de Guillermo del Toro (2022). Como productor o guionista, trabajó en películas como El orfanato (2007), No tengas miedo a la oscuridad (2010), la serie cinematográfica El hobbit (2012–2014), Mamá (2013), El libro de la vida (2014), Pacific Rim: Insurrección (2018), Historias de miedo para contar en la oscuridad (2019) y Las brujas (2020). En 2022, creó la serie antológica de terror de Netflix El gabinete de curiosidades de Guillermo del Toro, que presenta una colección de historias clásicas de terror. Junto con Chuck Hogan, coescribió la trilogía de novelas The Strain (2009–2011), que posteriormente fue adaptada a una serie de cómics (2011–2015) y a una serie de televisión de acción real (2014–2017). Con DreamWorks Animation y Netflix, creó la franquicia animada Tales of Arcadia, que incluye las series Trollhunters (2016–2018), 3Below (2018–2019) y Wizards (2020), así como la película secuela Trollhunters: El despertar de los titanes (2021). Del Toro es amigo cercano de otros cineastas mexicanos como Alfonso Cuarón y Alejandro G. Iñárritu, conocidos colectivamente como «Los tres amigos del cine mexicano». Ha recibido numerosos premios, incluidos tres premios Óscar, tres premios BAFTA, dos Globos de Oro, un premio Emmy diurno y un León de Oro. Fue incluido en la lista de las 100 personas más influyentes del mundo de la revista Time en 2018, y recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 2019.

Song Young-gyu

Song Young-gyu (송영규) fue un actor surcoreano nacido el 18 de abril de 1970. Su carrera artística comenzó en el teatro en 1994, con una obra musical infantil, y se extendió durante más de tres décadas, abarcando teatro, cine y televisión. Se formó en el Colegio de Artes de Seúl, lo que cimentó su versatilidad como intérprete. Tenía contrato exclusivo con la agencia Management Koo desde julio de 2024. Anteriormente había estado representado por WS Entertainment. Alcanzó fama internacional con su papel del jefe Choi en la comedia Extreme Job (2019), una de las películas más taquilleras en la historia del cine coreano. También participó en series como Narco-Santos, Big Bet, Sky Castle, Hospital Playlist, Itaewon Class, y el drama histórico Hwarang, donde destacó por su capacidad para representar figuras de autoridad y personajes complejos. En lo personal, estaba casado y era padre de dos hijas. Su vida profesional se vio afectada en junio de 2025 por un escándalo de conducción bajo los efectos del alcohol, lo que provocó su retirada de varias producciones teatrales y televisivas. El 4 de agosto de 2025, Song fue hallado sin vida en su vehículo en Yongin, provincia de Gyeonggi, a los 55 años. Las autoridades no encontraron indicios de crimen ni nota de suicidio, y su fallecimiento ha generado una profunda reflexión en Corea del Sur sobre la salud mental en el mundo del entretenimiento.

Lindsay Anderson

Director y crítico de cine británico, adalid del compromiso con las creencias morales y sociales. Su película más conocida If... (1968) expresó la protesta social mediante el humor surrealista y los efectos de distanciamiento. Tras servir en el ejército británico, Anderson asistió a la Universidad de Oxford mientras colaboraba en Sequence, una revista de cine de gran influencia. Se convirtió en un importante crítico, profesión desde la que mostró un especial interés en los trabajos del realizador británico Humphrey Jennings y del director estadounidense John Ford. También comenzó a dirigir cortometrajes documentales, entre los que destaca Every Day Except Christmas (1957), un reflejo poético del antiguo mercado de Covent Garden en Londres. El primer largometraje de Anderson fue El ingenuo salvaje (1963); entre sus otros trabajos se incluye Un hombre de suerte (1973). Llevó una carrera paralela en el teatro dirigiendo un gran número de producciones que cubren un amplio abanico de escritores contemporáneos, obras populares y reestrenos de clásicos. En 1987 dirigió su única película estadounidense, Las ballenas de agosto, un retrato sentimental de dos hermanas ancianas interpretadas por Bette Davis y Lillian Gish.

Shuya Watanabe

Shuya Watanabe (渡邉 秀哉, Watanabe Shūya, nacido el 16 de mayo) es un actor de voz (seiyu) japonés de la prefectura de Fukushima. Está afiliado a Black Ship. Mide 169 cm de alto y tiene grupo sanguíneo de tipo B. Sus pasatiempos son dibujar ilustraciones, coleccionar juguetes de efectos especiales y cocinar, y sus habilidades especiales son la imitación y el béisbol.

Tiburón

1975

En la costa de un pequeño pueblo del Este de los Estados Unidos, un enorme tiburón ataca a varias personas. Por temor a los nefastos efectos que este hecho podría tener sobre el negocio turístico, el alcalde se niega a cerrar las playas y a difundir la noticia. Pero un nuevo ataque del tiburón termina con la vida de un bañista. Cuando el terror se apodera de todos, un veterano cazador de tiburones, un oceanógrafo y el jefe de la policía local se unen para capturar al escualo.

Lazarus

2025

En 2052, la humanidad vive en paz gracias a Hapuna, una droga milagrosa sin efectos secundarios. Pero su creador, el Dr. Skinner, desaparece y regresa tres años después con una revelación: todos los que la tomaron morirán en tres años. Un equipo de cinco agentes, Lazarus, debe encontrarlo y hallar una cura antes de que sea tarde.

Jude Law

Reparto · Conocido por A.I. - Inteligencia Artificial, Black Rabbit, El Rey Arturo: La Leyenda de la Espada

David Jude Heyworth Law (nacido en Lewisham, Londres, el 29 de diciembre de 1972), más conocido como Jude Law, es un actor de cine y teatro británico. Después de una breve carrera en el teatro y la televisión, como en la serie Families (1990) que lo lanzó a la fama en su país natal, Jude Law se inicia en la gran pantalla en 1994 con el filme de ciencia ficción Shopping (1994), dirigido por Paul W.S. Anderson. Pero no fue hasta tres años más tarde, con la película Gattaca (1997) de Andrew Niccol, cuando realmente se dio a conocer al público en general. Posteriormente Clint Eastwood, le ofreció el papel de Billy Hanson en Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997) y David Cronenberg se fijó en él para protagonizar eXistenZ (1999). Con su interpretación en El talento de Mr. Ripley ya mostraba un ascenso meteórico en el cine, algo que rubricó con Enemigo a las puertas (2001). Steven Spielberg, le escogió para dar vida a uno de los papeles más carismáticos de su carrera, el del robot Gigolo Joe en A.I. Inteligencia Artificial (2001). Se encontró con Nicole Kidman en Cold Mountain (2003) y con Gwyneth Paltrow en Sky Captain y el mundo del mañana (2004). Ha trabajado con grandes cineastas como Martin Scorsese en El aviador (2004), con Kenneth Branagh en La huella (2007), o con Terry Gilliam en el film El imaginario del Doctor Parnassus (2009). Su carrera se revitalizó gracias a su papel del Doctor John H. Watson, el ayudante de Sherlock Holmes en la película Sherlock Holmes (2009), compartiendo protagonismo junto con el actor Robert Downey Jr., y con la continuación de la saga en Sherlock Holmes: juego de sombras (2011). Intervino en el film de ciencia-ficción basado en una novela de Eric Garcia Repo Men (2010), fue dirigido por Steven Soderbergh en Contagio (2011), y en Efectos Secundarios (2013), y volvió a ser dirigido por Martin Scorsese en La invención de Hugo (2011). Law presto su voz al personaje del Coco en la película de fantasía Rise of the Guardians estrenada en 2012, luego realizó una notable interpretación como Alexis Alexándrovich Karenin, el esposo de Anna Arcádievna Karenina interpretado por Keira Knightley en la película británica Anna Karenina (2012). Intervino en El Gran Hotel Budapest (2014), y poco después compartió créditos con Jason Statham y Melissa McCarthy en la comedia Espías (2015).

Shigeru Chiba

Reparto · Conocido por Votoms, Tokyo Override, Jujutsu Kaisen

Masaharu Maeda (前田 正治, Maeda Masaharu), conocido por el nombre artístico de Shigeru Chiba (千葉 繁, Chiba Shigeru), es un actor y actor de doblaje (seiyuu) japonés. También ha trabajado como director de efectos de sonido y director musical. Está representado por la agencia de talentos 81 Produce. Entre sus papeles más conocidos se encuentran el de narrador de El Puño de la Estrella del Norte, Megane en Urusei Yatsura (versión original de 1991), el padre de Ryunosuke en Urusei Yatsura (versión de 2022), Rei Ichidō en High School! Kimengumi, Kazuma Kuwabara en Yu Yu Hakusho, Pilaf en Dragon Ball, Raditz y Garlic Jr. en Dragon Ball Z, Buggy en One Piece, Kefka Palazzo en Dissidia: Final Fantasy y Kōichi Todome en la saga Kerberos.

Roberto Benigni

Reparto · Conocido por La Vida es Bella

Actor y director de cine italiano, nacido en Manciano Misericordia, Arezzo. Autor de monólogos inconformistas interpretados en los teatros de vanguardia, se dio a conocer con el espectáculo Cioni Mario fu Gaspare di Giulia y debutó en televisión con el provocador programa Tele-Vacca. En 1977, el director Giuseppe Bertolucci llevó a la gran pantalla al personaje de Cioni Mario en la película Berlinguer ti voglio bene. Caracterizado por un tipo de humor típicamente toscano, Benigni creó un prototipo cómico completamente personal, desacralizador, obsesivo y funambulesco, recargó su mímica y su expresión corporal, sin descuidar su excepcional capacidad de jugar con las palabras para obtener efectos cómicos surrealistas o grotescos. Tras su debut como realizador con la película Tu mi turbi (1983), destacó como actor y director en filmes como Non ci resta che piangere (1984), protagonizado con Massimo Troisi, Bajo el peso de la ley (1986, de Jim Jarmusch), Soy el pequeño diablo (1988), al lado de Walter Matthau, La voz de la luna (1990, de Federico Fellini), Johnny Palillo (1992) y El monstruo (1995), uno de los mayores éxitos de público del cine italiano. A finales de 1997 se estrenó La vida es bella, ambientada en un campo de concentración nazi; premiada en el Festival de Cannes de 1998 con el premio especial del jurado, en 1999 obtuvo tres premios Oscar: mejor película extranjera, mejor actor y mejor banda sonora. También obtuvo un importante éxito Pinocho (2002), basada en el famoso cuento de Carlo Collodi.

Amitabh Bachchan

Reparto · Conocido por El gran Gatsby

Amitabh Bachchan, es un actor de cine indio. Ganó popularidad por primera vez a principios de la década de 1970 como el "joven enojado" del cine hindi, y desde entonces se ha convertido en una de las figuras más destacadas de la historia del cine indio. Bachchan ha ganado numerosos premios importantes en su carrera, incluidos cuatro premios nacionales de cine, tres de los cuales están en la categoría de mejor actor, y catorce premios Filmfare. Es el intérprete más nominado en cualquier categoría de actuación importante en Filmfare, con 36 nominaciones en total. Además de actuar, Bachchan ha trabajado como cantante de reproducción, productor de cine y presentador de televisión, y fue miembro electo del Parlamento de la India de 1984 a 1987.

Paul W. S. Anderson

Executive Producer · Dirección · Conocido por Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City, Resident Evil: El Huésped Maldito

Director británico de cine, nacido en Newcastle-Upon-Tyne. La televisión británica le ofreció su primera oportunidad de trabajar en el medio. Allí desarrolló documentales que fueron galardonados, como The Spiral Cage o Speed, que se adentraba en el mundo de la delincuencia juvenil. Tras los documentales probó suerte con la ficción y se convirtió en el guionista de una de las series de misterio más famosas de la televisión británica de los noventa El Cid. En 1994 se estrenó como director cinematográfico y guionista con Shopping, protagonizada por Jude Law, Sadie Frost y Jonathan Pryce. En ella Anderson se manifestó como un director meticuloso, haciendo que todos los actores tuvieran un exhaustivo entrenamiento como conductores. Este afán de perfeccionismo también se vio reflejado en su siguiente título. Mortal Kombat (1995) recogía una de las corrientes del cine de acción de los noventa. Protagonizada por Christopher Lambert, la película fue el debut del director en Estados Unidos, lo que le permitió disponer de un mayor presupuesto y mejores profesionales. Fue también su primera colaboración con el montador Martin Hunter, quien después se hizo cargo de sus siguientes títulos: Horizonte final (1997) y Soldier (1998). Aún unidas por el gusto detallista, la elección de personajes duros y combativos, y el cuidado de los efectos especiales, cada película de Anderson tiene un estilo visual propio. De sus últimos films destacan, Resident Evil (2002), La carrera de la muerte (2008) y Pompeya (2014).

Andrew Adamson

Dirección · Executive Producer · Conocido por Las crónicas de Narnia: El león, la bruja y el ropero, Las crónicas de Narnia: El príncipe Caspian, Shrek

Director neozelandés nacido en Auckland. Comenzó su carrera en su ciudad natal, trabajando como animador por ordenador en la empresa The Mouse That Roared. En 1991 había entrado a trabajar en PDI -que ahora se llama PDI/Dream Works- con una amplia experiencia en el terreno de los efectos visuales. En 1986 pasó a la compañía Video Images Ltd., donde realizó logos corporativos y spots de televisión. Dentro de PDI/Dream Works ha sido supervisor de efectos visuales de títulos como Angels in the Outfield y Double Dragon. También ha trabajado en los efectos visuales de Mentiras arriesgadas, Toys y Heart and souls y en anuncios para marcas como Converse, Dow y Miller Genuine Draft. Fuera de PDI/Dream Works ha sido supervisor de efectos visuales de títulos como Batman Forever, Tiempo de matar y Batman y Robin. Debutó como director con Shrek (2001). A ésta siguieron, Shrek 2 (2004), Las crónicas de Narnia: el león, la bruja y el armario (2005) y Las crónicas de Narnia: el príncipe Caspian (2008).

John Carpenter

Composer · Dirección · Conocido por Halloween, Halloween Kills, Halloween: El final

Director de cine y guionista estadounidense. Sus mejores trabajos son representaciones sombrías de la civilización moderna. Hijo de un violinista y profesor de piano, nació el 16 de enero de 1948 en Carthage (Nueva York) y creció en Bowling Green (Kentucky). Tras asistir a la Western Kentucky University, en 1968 inició los estudios de cine en la Universidad de California, donde rodó toda una serie de cortometrajes. Su primer largometraje fue la parodia de ciencia ficción Dark Star (1973), una producción de bajo presupuesto que se convirtió en película de culto. Asalto a la comisaría del distrito 13 (1976) describe la ocupación de una comisaría por jóvenes violentos. Posteriormente, saltó a la fama como especialista en películas de ciencia ficción y de terror de estética convencional y efectista, que en algunos casos tuvieron un gran éxito comercial. Entre ellas figuran La noche de Halloween (1978), que lanzó a la actriz Jamie Lee Curtis, La niebla (1980), 1997: Rescate en Nueva York (1981), con Kurt Russell en el papel de Snake Plissken, La cosa (1982), Christine (1983, basada en una novela de Stephen King), Starman (1984), con Jeff Bridges, El príncipe de las tinieblas (1987), Están vivos (1988), En la boca del miedo (1994), 2013: Rescate en L.A. (1996), una continuación de 1997: Rescate en Nueva York, y Vampiros de John Carpenter (1999). Sus filmes son de calidad muy variable, y en algunos de ellos los efectos especiales priman sobre los matices en los personajes y la acción.

Michael Bay

Dirección · Executive Producer · Producción · Conocido por Pearl Harbor, The Last Ship, Transformers Uno

Director de cine estadounidense nacido en Los Ángeles, California. Procede de la publicidad y los videoclips. Trabajó para las principales compañías de ropa deportiva, refrescos y cervezas, y con artistas como Tina Turner, Meat Loaf o Lionel Richie. En 1981 estaba en el departamento de storyboard de Indiana Jones y a mitad de la década hizo sus pinitos como actor televisivo, salió en un capítulo de Corrupción en Miami, en 1986. Pero lo que a Bay le llamaba la atención era dirigir. Sus películas se caracterizan por seguir un esquema común, una primera parte donde se presentan los personajes y una segunda donde transcurre la acción, que es su especialidad. Algunos actores afirman que les presta menos atención a ellos que a los efectos especiales. Es la forma de ser de Michael Bay, que debutó como director en 1995 con Dos policías rebeldes, protagonizada por Will Smith y Martin Lawrence. En 1996 realizó la que considera su mejor película, La Roca, con uno de sus actores favoritos al frente, Sean Connery. Amante de la ciencia-ficción, ha hecho apuestas arriesgadas como la apocalíptica Armageddon (1998) o la supuestamente filosófica La isla (2005), amén de la adaptación del cómic Transformers (2007). Sin embargo, también recreó un hecho histórico en Pearl Harbor (2001).