Buscar

Hannah Cheramy

Reparto · Conocido por From

Hannah Cheramy es una actriz en ascenso conocida por sus actuaciones reflexivas y emocionalmente arraigadas en cine y televisión. Hannah comenzó a actuar a los siete años en el teatro infantil local, siguiendo una inclinación de por vida hacia la interpretación. Su carrera en la pantalla comenzó con una destacada actuación en la película de terror independiente The Hollow Child, en la que interpretó a una criatura sobrenatural que asume la apariencia de una niña, en una actuación caracterizada por un control y una moderación sorprendentes. El papel le valió nominaciones tanto a los premios UBCP como a los premios Leo, lo que la convirtió rápidamente en una joven intérprete digna de ver. Siguió con un papel secundario como la joven Anne Hathaway en la película Colossal de Neon, ampliando aún más su presencia en el cine. Desde entonces, Hannah ha aparecido en una serie de importantes proyectos cinematográficos y de televisión, incluido un papel recurrente en la serie Van Helsing de SyFy, así como en las películas October Kiss y Summer Love, entre otras. Fue durante Van Helsing cuando experimentó por primera vez la magnitud del compromiso del público con su trabajo, lo que marcó un momento clave en el progreso de su carrera. Actualmente (2026) interpreta a Julie Matthews en FROM, la serie favorita de culto de MGM+ de MGM+, un papel que se ha convertido en un elemento central del núcleo emocional de la serie. Hannah regresa para la cuarta temporada después de una tercera temporada elogiada por la crítica que le valió una nominación al Saturn Award. Su trabajo en la serie se ha destacado por su moderación, vulnerabilidad e inteligencia emocional dentro de un marco de género exigente. Cuando no está en el set, Hannah suele disfrutar de sus pasatiempos, que incluyen tejer a ganchillo, leer, hacer cosas de segunda mano y hornear. También apoya abiertamente las cuestiones de justicia social, incluidos los derechos de las personas LGBTQIA+, la acción climática, la defensa de la salud mental, los derechos de los pueblos indígenas, el bienestar de los animales y la liberación de Palestina. Arraigada en el instinto, la disciplina y un amor genuino por la narración de historias, está construyendo de manera constante una carrera definida por la consideración, la variedad y una presencia inconfundible en la pantalla.

Park Myung-hoon

Reparto · Conocido por Parásitos

Park Myung-hoon (coreano: 박명훈; nacido el 28 de mayo de 1975) es un actor surcoreano. Debutó como actor de teatro en la obra «Class» de 1999. Es conocido internacionalmente por su papel de Geun-sae en la película ganadora del Óscar, «Parásitos». Park Myung-hoon creció en Busan y, aunque inicialmente intentó ingresar en el Departamento de Cine y Teatro, acabó estudiando Administración Pública. Tras cumplir el servicio militar en 1999, decidió trasladarse a Seúl, concretamente al barrio de Daehangno, epicentro cultural y teatral de la ciudad, donde comenzó su trayectoria como actor de teatro. Su carrera se consolidó poco a poco en el ámbito escénico, participando en obras como «Through the Door» y «Dr. Lee’s Man». Con el tiempo, dio el salto al cine y la televisión, acumulando una filmografía diversa. Entre sus trabajos más destacados en televisión se encuentran «Crash Landing on You» (2019-2020), donde interpretó a un personaje secundario pero memorable, y series como «Eve» (2022), «La casa de papel: Corea» (2022), «Decoy» (2023) o «Mi chico es Cupido» (2023-2024). El gran punto de inflexión en su carrera llegó con «Parásitos» de Bong Joon-ho, donde encarnó a Geun-sae, el hombre que vive oculto en el sótano de la casa de los Park. Su interpretación fue clave para el desarrollo del thriller social y le otorgó reconocimiento internacional. La película ganó la Palma de Oro en Cannes y cuatro premios Óscar, incluido el de Mejor Película, convirtiéndose en un fenómeno cultural global. A nivel personal, Park está casado y tiene un hijo. Su agencia actual es Ace Factory, aunque anteriormente estuvo vinculado a Lim Entertainment. Ha recibido premios como el Buil Film Award y el Director's Cut Award en 2019.

Hiroyuki Yamashita

Hiroyuki Yamashita (山下 宏幸, Yamashita Hiroyuki) es un director de anime, guionista gráfico, animador y director de animación japonés, formado inicialmente en el estudio AIC antes de incorporarse a Studio Pierrot. Comenzó interesándose por el trabajo de fondos tras ver en el cine la película «La princesa Mononoke» (1998), pero ese rumbo cambió cuando descubrió la serie «Naruto», que le llevó a decidirse por la animación de personajes como carrera. A partir de ahí, se orientó claramente hacia la animación de acción y el trabajo en series de televisión de largo recorrido. Tras sus primeros pasos en AIC, Hiroyuki se incorporó en 2007 a Studio Pierrot, donde su debut como animador de «genga» (animación clave) llamó rápidamente la atención del equipo sénior de «Naruto», en especial de directores como Masaharu Watanabe (渡辺正治) y Toshiyuki Tsuru (都留稔幸). A partir de 2008 inició una relación de mentoría con Tsuru, que fue consolidando su perfil como director y animador con una impronta muy marcada dentro de la franquicia. Esta etapa en Pierrot se caracteriza por una presencia constante en las producciones relacionadas con Naruto, tanto en televisión como en cine. En el terreno de la animación, su trabajo se distingue por dibujos nítidos y detallados y por una animación a la vez enérgica y fluida, con escenas de acción coreografiadas con precisión. Dentro de la serie «Naruto Shippūden», participó como director de episodios, responsable de storyboard, director de animación y animador clave, contribuyendo a definir el estilo visual de los combates y la expresividad de los personajes. Su nombre figura también en producciones relacionadas como las películas «Road to Ninja -Naruto the Movie-», «The Last -Naruto the Movie-» y «Boruto -Naruto the Movie-», donde intervino en tareas de diseño de personajes, dirección de animación y supervisión de la puesta en escena. Posteriormente, Hiroyuki ha seguido vinculado al universo de la siguiente generación con la serie «Boruto -Naruto Next Generations-», en la que figura como director y responsable de la parte visual en sus primeros episodios, además de asumir funciones de storyboard y dirección de animación. Su trayectoria, centrada en la colaboración estrecha con Studio Pierrot y en la expansión audiovisual de la saga creada por Masashi Kishimoto, lo sitúa como una figura clave en la evolución del estilo de acción del anime comercial contemporáneo, siempre desde una base de animación cuidada y una puesta en escena dinámica.

Ryohei Takeshita

Ryohei Takeshita es un animador, director y guionista de anime japonés de la ciudad de Miyazaki, prefectura de Miyazaki. Originalmente quería ser matemático porque se le daban bien las matemáticas, pero admiraba a Hayao Miyazaki y decidió convertirse en director de anime cuando iba a secundaria. Tras graduarse en Ciencias Sociales por la Universidad Hitotsubashi en 2007, se unió a Xebec como animador. En dicho estudio, desarrolló su carrera como animador entre marcos («in-between animator»), animador clave y director de episodios, tras lo cual se hizo autónomo. En 2014, trabajó como director jefe en la comedia romántica Nozaki-kun de Monthly Girls y, en 2016, asumió el cargo de asistente de dirección en la comedia de la vida real New Game. En 2017, debutó como director con la exitosa serie de comedia Eromanga Sensei.

Robert Aldrich

Dirección · Conocido por Four Star Playhouse

Director, productor y guionista cinematográfico estadounidense, uno de los grandes cineastas del Hollywood de los años 50 y 60. Hijo de una pudiente familia, desarrolló antes de dirigir una carrera como ayudante de dirección en la que alcanzaría gran reputación, trabajando al lado de directores como Joseph Losey o Lewis Milestone. Tras debutar con dos filmes de aprendizaje, ‘The Big Leaguer’ (1953) y ‘World for Ransom’ (1954), Aldrich obtiene sus primeros logros considerables con ‘Apache’ (1954) y, sobre todo, ‘Veracruz’ (1954), personales revisiones del “western”, posibilitadas por la implicación como productor del inquieto actor Burt Lancaster. Su primera obra maestra es ‘El beso mortal’ (1955), soberbio ejercicio de estilo en clave de cine negro, donde la narrativa de Aldrich, efectista y entrecortada, aparece ya plenamente codificada. Esta calidad cinematográfica tendrá continuidad en sus dos siguientes títulos, ‘The big knife’ (1955), maniquea ilustración del sórdido mundillo hollywoodiense, realizada a partir de una obra del dramaturgo Clifford Odets; y el film bélico ‘Attack!’ (1956). Tras una cinta pretendidamente menor, el melodrama folletinesco ‘Autumn leaves’ (1956), y el despido del rodaje de ‘Bestias de la ciudad’, realizada para los Estudios Columbia y que terminaría Vincent Sherman, Aldrich comienza su peor momento creativo: alejado de los estudios de Hollywood, el cineasta marchará a Europa, realizando varias desiguales películas, entre las que destaca ‘Sodoma y Gomorra’ (1962), apreciable “peplum” subestimado por la crítica, repleto de hallazgos de puesta en escena y vigoroso en la exposición del conflicto bíblico; entre medias se sitúa un trabajo de la relevancia de ‘El último atardecer’ (1961), “western” crepuscular realizado en Hollywood sobre un guión de Dalton Trumbo. De regreso a Hollywood, la película que vuelve a situarlo en primer plano es ‘¿Qué fue de Baby Jane?’ (1962), grotesca plasmación de un universo femenino histérico y degradado, potenciado por la desmelenada interpretación de Bette Davis, que tendrá continuidad, con resultados superiores, en ‘Canción de cuna para un cadáver’ (1964). El éxito de estas dos películas permitirá al director realizar una de sus obras más características, la aventura ‘El vuelo del Fénix’ (1965), y de afrontar la dirección de la, todavía hoy, más famosa de sus cintas, ‘Doce del patíbulo’ (1967), a la que seguirán dos de sus títulos mayores, ‘La leyenda de Lylah Clare’ (1968), reflexión sobre el mito hollywoodiense, y ‘La banda de los Grissom’ (1971), violenta historia de gángsters. Sus últimas películas importantes son ‘El emperador del Norte’ (1973) y, en especial, su testamento cinematográfico, ‘Alerta: misiles’ (1977), trabajos de madurez dominados por un pesimismo vital que dominará sus últimos años, entre los que se sitúan concesiones al gran auditorio como ‘Rompehuesos’ (1974) o ‘El rabino y el pistolero’ (1979), burdos intentos de adaptar a los nuevos tiempos el estilo violento y abrupto del director. Su última película fue ‘Chicas con gancho’ (1981).

Christine Ko

Reparto · Conocido por Rolling Loud: La película

Christine Ko es una actriz estadounidense conocida sobre todo por su papel de Emma en la serie «Dave», de FX. Desempeña un papel recurrente clave en la quinta temporada de «El cuento de la criada», junto a Elizabeth Moss, y recientemente ha concluido su arco narrativo en «Only Murders in the Building», de Hulu. Christine es la protagonista femenina de la película original de Netflix *Tigertail*, del director Alan Yang, con quien comenzó una relación y con quien se casó en 2025. Este drama familiar multigeneracional se basa en hechos reales de la familia de Yang. Entre sus trabajos anteriores en televisión se incluyen la serie cómica de la CBS *The Great Indoors*, el drama de la ABC *Deception*, el drama de la CBS *Hawaii Five-0* y la segunda temporada de la exitosa serie cómica de fútbol americano de HBO *Ballers*

Masaki Hinata

Masaki Hinata (日向 正樹, Hinata Masaki, nacido el 14 de abril de 1970) es un animador, director de animación y diseñador de personajes japonés de la ciudad de Fuji, prefectura de Shizuoka. Tras adquirir experiencia trabajando para Artland de 1991 a 2010, se transfirió al estudio de animación Madhouse en 2006. Desde entonces, ha estado involucrado en muchas obras de anime populares, como Death Note, Accel World, Kimetsu no Yaiba: Guardianes de la noche, etc., donde desempeña labores de director de animación, director jefe de animación, animación clave y diseño de personajes. Aunque trabaja principalmente en producciones de Madhouse, a menudo participa en producciones de animación fuera de la empresa como miembro principal de Production EN, como por ejemplo en la serie producida por ufotable Guardianes de la noche: Kimetsu no Yaiba.

Yoshiaki Kyougoku

Dirección · Conocido por Kuroko no Basket, Laid-Back Camp, Tokyo Ghoul

Yoshiaki Kyougoku (京極 義昭, Kyōgoku Yoshiaki) es un director y realizador de animación japonés, formado profesionalmente a Production I.G. Comenzó su carrera en la industria trabajando en tareas de animación y, con el tiempo, fue asumiendo funciones de mayor responsabilidad en series de televisión. A lo largo de los años ha participado como animador, responsable de guiones gráficos y director de episodios en distintas series de televisión. Su estilo ha sido descrito como visual y realista, influido desde la infancia por las obras de Hayao Miyazaki. Su debut como director principal llegó en 2018 con la serie «Yuru Camp△», un trabajo que consolidó su nombre dentro del sector. Antes de eso había dirigido episodios clave en la segunda temporada de «Yama no Susume», incluida la entrega «Dear My Friend», considerada un punto de inflexión narrativo. Desde entonces ha seguido vinculado a la franquicia, supervisando Heya Camp△ en 2020, dirigiendo la segunda temporada en 2021 y la película en 2022. También ha trabajado en títulos como Tokyo Ghoul, Kuroko no Basket, Blood-C, Robotics;Notes, Gleipnir, Usagi Drop y Karasu wa Aruji o Erabanai, entre otros.

Gerardo Taracena

Reparto · Conocido por Apocalypto

Gerardo Taracena es una de las presencias más intensas, reconocibles y respetadas del cine mexicano contemporáneo. Actor de enorme fuerza física y profundidad emocional, su trayectoria se ha construido a partir de personajes que habitan los márgenes: hombres atravesados por la violencia, la lealtad, la fe y la supervivencia. Su trabajo no busca el lucimiento fácil; nace del cuerpo, del silencio y de una comprensión profunda de la condición humana. Formado en el Centro Universitario de Teatro de la UNAM, Taracena desarrolló desde muy temprano una visión integral del arte escénico, combinando actuación, movimiento y disciplina corporal. Su experiencia en teatro y danza —incluyendo su paso por colectivos internacionales— marcó de manera definitiva su estilo: un actor que piensa con el cuerpo, que habita el espacio con precisión y que convierte cada gesto en significado. A lo largo de más de tres décadas de carrera, Gerardo Taracena ha participado en una vasta cantidad de proyectos cinematográficos, teatrales y televisivos, tanto en México como en producciones internacionales. Su proyección mundial llegó con Apocalypto (2006), dirigida por Mel Gibson, donde su interpretación dejó una huella imborrable por su potencia física y brutal honestidad. A partir de ahí, su carrera se expandió hacia el cine de gran escala con títulos como Man on Fire, The Mexican y Sin Nombre, consolidándolo como un actor mexicano capaz de transitar con naturalidad entre la industria internacional y el cine de autor. En el cine nacional, Taracena ha sido parte de obras fundamentales del nuevo cine mexicano, destacando su trabajo en El violín (2005), actuación que le valió el Premio Ariel y confirmó su lugar como uno de los intérpretes más sólidos de su generación. Su filmografía se caracteriza por elecciones arriesgadas y personajes complejos, siempre al servicio de la historia y nunca del artificio. En televisión y plataformas digitales, ha construido personajes memorables en series como Narcos: México, Diablero, El Pantera, Celda 211 y Queen of the South, donde su presencia impone autoridad, ambigüedad moral y una intensidad que trasciende la pantalla. Taracena pertenece a ese grupo de actores cuya sola aparición redefine el tono de una escena. En 2026 estrena su última película Halcones, dirigida por Ricardo Tavera, su proyecto cinematográfico más reciente. En esta película, Taracena vuelve a explorar las zonas oscuras del poder, la violencia y la herencia emocional, aportando una interpretación contenida y feroz que confirma la madurez de su oficio con su interpretación de Buitre. Halcones se perfila como una obra clave dentro del cine mexicano contemporáneo y como un nuevo testimonio del compromiso artístico del actor. Gerardo Taracena no interpreta personajes: los encarnó. Su legado se sostiene en una carrera coherente, valiente y profundamente humana, construida desde la disciplina, el riesgo y una inquebrantable fidelidad al arte de actuar. Es, sin duda, una de las figuras imprescindibles del panorama audiovisual mexicano e internacional.

Werner Herzog

Reparto · Conocido por Jack Reacher: Bajo la Mira, Los Pingüinos de Madagascar

Werner Herzog es un director, documentalista, guionista, productor y actor alemán. Nació en Múnich como segundo hijo de Dietrich Herzog y Elizabeth Stipetic. Dietrich fue inmediatamente conscripto para el ejército alemán, y la pareja se disolvió. Bajo la custodia de la madre, Werner mantuvo su apellido materno Stipetic hasta que lo cambió por el de su padre, que, "para director de cine, sonaba mucho mejor". Era muy pobre. Creció sin radio ni cine, en pleno contacto con la naturaleza, en una granja, alejado del mundo moderno. Según afirma él mismo, no tuvo conocimiento de la existencia del cine hasta los once años, la misma fecha en la que vio por primera vez un coche. A los 17 años hizo su primera llamada telefónica. A los trece años lo llevaron a Múnich para que iniciara sus estudios secundarios. Su familia se alojó provisionalmente en una pensión donde, casualmente, se alojaba Klaus Kinski, (1926-1991), actor que en un futuro sería clave en su carrera cinematográfica. Kinski ni reparó en el Herzog de trece años, pero el futuro director sí lo hizo con el singular actor. Durante su adolescencia, pasó por una etapa de gran fervor religioso, llegando a convertirse al catolicismo, lo que le provocó discusiones con sus parientes, que eran ateos convencidos. Por esta época empezó a realizar sus primeros largos viajes a pie. Hacia los quince años atravesó media Europa, desde Múnich hasta Albania. También hizo a pie el viaje que lo llevó a Grecia. Hacia los 17 años decidió dedicarse al cine. Para pagarse sus películas, trabajó en diversos oficios, que combinaba con sus estudios secundarios y más tarde universitarios. Se matriculó en Historia, Literatura y Teatro en Múnich. Hacia 1960 obtuvo la beca Fulbright para el Seminario de cine de la Universidad de Duquesne, en Pittsburgh (Estados Unidos). A pesar de participar en seminarios universitarios de cine, Herzog nunca estudió en ninguna escuela ni tampoco trabajó como asistente de ningún director; su formación fue completamente autodidacta. En Estados Unidos combinó de nuevo sus estudios con diversos trabajos, como soldador en una fábrica o aparcacoches, para ganar dinero que luego invertiría en su arte. En 1962, a los veinte años, fundó su productora de cine, Herzogfilmproduktionen. Al año siguiente inició el rodaje de su primer cortometraje, Herakles, para el cual tuvo que trabajar dos años y medio en la cadena de montaje de una fundición de Múnich. Le seguirían Juego en la arena (1964), Últimas palabras (1967) y La incomparable defensa de la fortaleza Deutschkreutz (1967). Tras esta primera etapa de formación en el cortometraje realizó su primer largometraje, Lebenszeichen (Señales de vida), subvencionado por el Instituto de Cine alemán, que buscaba promocionar a nuevos cineastas. La película ganó el Premio de Cine Alemán (Deutscher Filmpreis). A partir de aquí Herzog inició una carrera singular, que ha combinado la filmación de largometrajes, documentales, dirección de ópera, actuación y redacción de guiones. Werner Herzog sigue activo en la actualidad.

Sergio Leone

Dirección · Conocido por El Bueno, El Malo y El Feo, Los héroes de Mesa Verde, Por un puñado de dólares

Sergio Leone fue un guionista, productor y director de cine italiano. Es uno de los directores más famosos de la historia del cine, y es sobre todo conocido por sus spaghetti western. Sergio, aún muy joven, entra en la industria del cine, y con 20 años es actor y asistente de dirección de Ladri di biciclette (1948) de Vittorio de Sica. Después estaría en grandes producciones estadounidenses rodadas en Europa. Entre ellas Quo Vadis? (1951) de Mervyn Le Roy, Helena de Troya (1955) de Robert Wise, Ben-Hur (1959) de William Wyler o Historia de una monja (1959) de Fred Zinnemann. En 1959 le dieron la oportunidad de sustituir, por enfermedad, al director Mario Bonnard durante el rodaje de Los últimos días de Pompeya, aunque no pudo firmar la película. Su primera película oficial fue El coloso de Rodas (1960) y dos años más tarde sustituiría de nuevo a un director, Robert Aldrich, en Sodoma y Gomorra. Aldrich fue una influencia clave para Leone, con películas como Veracruz (1954), donde el perfil clásico del western se desdibuja con personajes más ambiguos y carentes de valores. A partir de aquí comienzan sus obras más personales, que se inicia con la famosa trilogía western, también conocida como Trilogía del dólar, en coproducción con varios países europeos y rodada en la árida región de Tabernas, Almería (España), así como en las proximidades de Carazo en la Sierra de la Demanda, Burgos. La trilogía obtuvo un inesperado gran éxito, conduciendo al western a su último período cinematográfico, el llamado spaghetti western, género muy cultivado en el cine de los 70, además de aportar dos nuevos talentos al medio, el compositor Morricone, amigo desde la infancia del director, y el actor Clint Eastwood, desconocido hasta entonces, al que el director contrata entre un grupo de actores. El personaje creado para Eastwood, "el hombre sin nombre", es el prototipo de antihéroe del espagueti western. Hombre duro y solitario, sin escrúpulos ni sentimientos y movido por el dinero. De esta manera Leone crea un icono del cine, personalidad ruda, pocas palabras, mirada de hielo, invencible en múltiples duelos. Siempre vestido con un poncho raído y un cigarro en los labios, es capaz de matar a sangre fría, si es necesario por la espalda, para conseguir su objetivo. Es un personaje que se convertirá en estereotipo en múltiples films y que influirá de forma decisiva a directores, actores e incluso a los dibujantes de cómic actuales. Como anécdota curiosa, cabe destacar que Por un puñado de dólares tuvo ciertos problemas legales al plagiar una película anterior de Akira Kurosawa titulada Yojimbo (1961). Tras esta trilogía no deja la temática del western y filma una de sus obras maestras, Hasta que llegó su hora, un western crepuscular rodado en Cinecittà, Almería y en los mismos escenarios estadounidenses en los que rodó la mayor parte de sus películas su admirado John Ford.

Lee Ji-hoon

Lee Ji‑hoon (Hangul: 이지훈, nacido el 29 de octubre de 1988) es un actor surcoreano nacido en Namyangju, provincia de Gyeonggi, Corea del Sur. Durante su juventud se interesó por el deporte y estudió Educación Física en la Universidad de Hallym, pero pronto descubrió su vocación por la interpretación. Tiene una estatura de 1,84 metros. Está representado por iNKODE Entertainment. Su debut como actor llegó en 2012 con la serie escolar «School 2013», donde encarnó a un estudiante conflictivo. A lo largo de los años, ha ido consolidando su carrera en diferentes producciones. En «Legend of the Blue Sea» (2016‑2017) interpretó a Heo Chi‑hyun, un personaje clave en la trama romántica y fantástica. Más tarde, en «Rookie Historian Goo Hae‑ryung» (2019), dio vida a Min Woo‑won, un joven erudito atrapado entre la tradición y el cambio. Su versatilidad le permitió pasar del melodrama («Whisper», 2017) a la comedia ligera («Your House Helper», 2018), y del romance a la acción histórica en «River Where the Moon Rises» (2021). En los últimos años ha ampliado su registro con títulos como «Sponsor» (2021), «Jinxed at First» (2022) y, más recientemente, «The Impossible Heir» (2024), donde su papel le situó en el centro de la trama. También ha participado en cine, con apariciones en películas como «A Hard Day» (2014) y «Yaksha: Ruthless Operations» (2022).

Masayuki Kouda

Masayuki Kouda (甲田 正行, Kōda Masayuki) es un animador, director de anime, diseñador de personajes y guionista gráfico japonés. Comenzó su carrera como artista de animación «in-between» (animación de fotogramas intermedios) en Studio Pierrot, antes de debutar como animador clave en 2005. Es conocido principalmente por su trabajo en la franquicia Naruto, aunque su primera gran valoración profesional llegó gracias a su sólida capacidad de dibujo como director de animación y animador en la serie «Blue Dragon» (2007). Ese reconocimiento se tradujo en que, entre 2010 y 2013, se convirtiera en uno de los directores de animación prioritarios de «Naruto Shippūden». En 2014 debutó como diseñador de personajes y director jefe de animación en la serie «Baby Steps». Posteriormente, realizó su debut como director en «Naruto Shippūden» con el episodio 469 (2016), pasando a convertirse desde entonces en uno de los miembros principales del equipo de la franquicia.

James Caan

Reparto · Conocido por Elf, el duende, Miseria, El Padrino

Actor estadounidense nacido en el Bronx (Nueva York). Desde finales de los años cincuenta trabaja como actor de teatro, primero en una compañía itinerante y más tarde en Broadway. Aunque llega al cine de la mano de Billy Wilder en Irma la Dulce (1963), será Howard Hawks quien le dé su primera gran oportunidad, primero en Peligro… Línea 7000 (1965), donde interpreta a un piloto de carreras y, sobre todo, en El Dorado (1967), enésima revisión del tema hawksiano de la redención de un grupo de hombres esencialmente honestos ante una situación límite. Pero la figura más importante de su carrera artística es sin lugar a dudas Francis Ford Coppola, que en 1968 le ofrece su primer gran papel: encarnar a un patético retrasado en la "road-movie" Llueve sobre mi corazón. También a Coppola debe el que es su personaje más conocido, el violento Santino “Sonny” Corleone en la saga de El Padrino (1972-74), por el que es nominado al Oscar de la Academia al mejor actor secundario. Gran deportista desde su época universitaria en Michigan State, se especializa en papeles de acción, como en la fantasía deportiva Rollerball (1975), de Norman Jewison, o en Los Aristócratas del Crimen (1975), donde tiene la oportunidad de trabajar junto a Robert Duvall, otro actor-fetiche de Coppola, con uno de los grandes directores del género, Sam Peckinpah, sobre un guión de Stirlling Silliphant. Al mismo tiempo, participa en peliculas más intimistas, como El Jugador (The Gambler) de Karel Reisz o Perdido en la ciudad (T. R. Baskin) de Herbert Ross, con quien vuelve a colaborar en Funny Lady (1975). Otro de los directores clave en su carrera es Mark Rydell: su colaboración comienza en 1973 con la amable Permiso para amar hasta medianoche y continúa con Harry y Walter van a Nueva York. Su versatilidad como actor queda demostrada en comedias como La última locura, de Mel Brooks o en sus dos colaboraciones con el sensiblero Claude Lelouch: Otro hombre y otra mujer (1977), secuela de su gran éxito Un hombre y una mujer, y Los unos y los otros (1981). En los años ochenta, su carrera entra en declive, pese a lo cual realiza algunas de sus mejores interpretaciones, como en el western crepuscular Llega un jinete libre y salvaje (1978), dirigida por Alan J. Pakula y espléndidamente fotografiada por Gordon Willis, donde se enfrenta a una gran compañía petrolífera que pretende arrebatar a Jane Fonda su rancho. El fracaso de su debut como director en Hide in plain sight (1980) acentúa su crisis profesional, que se ve agravada por sus problemas de adicción a las drogas y el alcohol. En este delicado momento personal, su amigo Francis Ford Coppola vuelve a ejercer de auténtico “padrino” al ofrecerle un papel protagonista en el drama militar Jardines de piedra (1987), que supone el inicio de una segunda juventud. Otro viejo amigo, Mark Rydell, le proporciona en 1991 el protagonista de Ayer, hoy y siempre, donde interpreta junto a Bette Midler a una pareja de veteranos cantantes enrolados en las fuerzas armadas, que han dedicado toda su vida a entretener a las tropas en los distintos conflictos bélicos del último siglo.

Nobuo Tomizawa

Nobuo Tomizawa (富沢 信雄, Tomizawa Nobuo, nacido el 26 de diciembre de 1951) es un animador y director de anime japonés. Miembro y director de Telecom Animation Film. Además, es miembro de la Asociación de creadores de animación japonesa (JAniCA). Alrededor de 1974, comenzó a trabajar en obras para Nippon Animation como ilustrador, donde conoció a Hayao Miyazaki, Yasuo Otsuka, Isao Takahata y otros. Su trabajo en «Conan, el niño del futuro» lo llevó a trabajar en «Lupin III: El castillo de Cagliostro», y se unió a Telecom Animation Film en 1979. Después de eso, trabajó como animador en «Lupin III» (segunda serie de TV) y «Jarinko Chie» en Telecom, y luego estudió dirección con Hayao Miyazaki en «Sherlock Holmes». Incluso después de que Miyazaki abandonase Telecom, continúa siendo una figura clave en Telecom, dirigiendo muchas de las producciones de la compañía. Actualmente, además de su trabajo principal, también desempeña labores de gerente, actuando como director de Telecom Animation Film.

David Corenswet

Reparto · Conocido por Superman, Pearl, Supergirl

David Packard Corenswet (Filadelfia, Pensilvania; 8 de julio de 1993) es un actor estadounidense conocido por interpretar a Clark Kent / Superman de DC Studios en el Universo DC, en la película Superman (2025). A lo largo de su carrera, ha destacado por su presencia en producciones de gran alcance, especialmente en la serie de Netflix The Politician (2019), en la que interpretó a un personaje clave. Corenswet también ha tenido papeles en otras producciones notables, como Hollywood (2020), otra serie de Netflix dirigida por Ryan Murphy, donde interpretó a un joven actor ambicioso en la época dorada de Hollywood. Su talento y versatilidad como actor lo han colocado como una de las promesas emergentes de la industria cinematográfica y televisiva estadounidense.

Shin Oonuma

Shin Oonuma (大沼 心 Ōnuma Shin, 8 de marzo de 1976) es un director de anime, animador y guionista gráfico japonés. También ha proporcionado animación clave para muchos animes. Entre sus trabajos más prominentes, cabe destacar la dirección de Ef: A Tale of Memories. Anteriormente trabajó con Shaft junto con Akiyuki Shinbo hasta finales de 2009 y actualmente trabaja para Silver Link como el director más destacado del estudio.

Hironori Tanaka

Dirección · Conocido por Chainsaw Man, THE GHOST IN THE SHELL

Hironori Tanaka (田中 宏紀) es un director y animador de anime independiente japonés. Hironori comenzó su carrera en Eagle's Nest' (イーグルネスト) y trabajó en el estudio subcontratado de Toei Animation, donde hizo su debut clave en animación en 2004.

Soufiane El Khalidy

Reparto · Conocido por De Gaulle: Liberté

Soufiane El Khalidy es un actor que ha aparecido en docenas de películas de Hollywood, series de televisión y producciones europeas de alto presupuesto. En 2024, Soufiane El Khalidy terminó de filmar la nueva película de Hollywood "Mary", dirigida por D.J Caruso y protagonizada por Anthony Hopkins. También actuó junto a Benoit Magimel en la próxima película francesa de 70 millones de dólares "De Gaulle". Además, encarnó el personaje de Kerem en la miniserie de Paramount Plus, "Ghosts Of Beirut", y también aparecerá en la próxima película alemana, "Klandestin", junto al ícono francés, Lambert Wilson. Pronto, comenzará a filmar una nueva película italiana llamada "Le Chemin du Retour" como protagonista junto a la estrella italiana, Sveva Alviti, conocida principalmente por su interpretación de la legendaria cantante, Dalida, en la exitosa película francesa del mismo nombre, y Natalya en la nueva película de acción de Netflix, "AKA". Durante su carrera, Soufiane El Khalidy apareció y trabajó en varios videos musicales de famosas estrellas de rock de Los Ángeles como Train, One Ok Rock, BRMC. Recientemente protagonizó el nuevo video musical "Tatooine/ Maintenance" del rapero francés JXSH. Además, Soufiane recibió varios elogios de la prensa internacional y profesionales de Hollywood. Fue nombrado varias veces como uno de los "10 actores más talentosos nacidos en África y Marruecos" o "El marroquí con múltiples talentos en Hollywood". Por otro lado, Soufiane es un galardonado director de cortometrajes y guionista de "Flags and Masks Down", "Juke Box Zero" y "Just Like You Imagined". Además, Soufiane El Khalidy lanzó su primera novela "Les Riffs D'un Moroccan Rebel" con la editorial francesa "Editions Amalthée", en 2022. Está disponible en más de 400 librerías y minoristas de todo el mundo. Soufiane El Khalidy obtuvo su maestría en Bellas Artes y Producción Cinematográfica en la prestigiosa "Full Sail University" en Florida con una beca global por excelencia en realización cinematográfica. También fue aceptado para pasar las audiciones preliminares en el Actors Studio New York para convertirse en miembro vitalicio en 2017. En 2022, Soufiane El Khalidy se casó con la actriz francesa Nadia Benzakour (Séneca, No Man's Land, Princes of The Desert, Killing Jesus, Bureau des légendes) en una ceremonia muy publicitada en Tánger. Soufiane es de Agadir, Marruecos. Su padre, El Khalidy Larbi, es médico general y fue teniente del ejército marroquí durante la guerra del Sahara en los años 80. Su madre, Malika El Kaddouri, fue enfermera durante cuatro décadas.

Noureddine El Attab

Ramsés «El Coleta» Gallego

Ayoub El Hilali

Mina El Hammani

Reparto · Conocido por Élite

Mina El Hammani (29 de noviembre de 1993) es una actriz española, de origen marroquí, conocida principalmente por su papel como Nadia en la serie de Netflix, Élite, y sus papeles como Nur en El Príncipe (2014) y como Salima en Servir y proteger (2017)

Hamza El Hannouti

Reparto · Conocido por HATERNET