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Daniel Richter

Reparto · Conocido por 2001: Odisea del Espacio

Daniel Richter es un mimo y actor estadounidense que interpretó al líder de una tribu de hombres mono en 2001: A Space Odyssey. En el momento de su selección en 2001, Richter era un desconocido, trabajaba principalmente como mimo y dirigía una compañía en Londres. Descripción anterior del artículo de Wikipedia Daniel Richter, con licencia CC-BY-SA, lista completa de colaboradores en Wikipedia.

John Badham

Dirección · Conocido por Psych

Director de cine estadounidense de origen británico nacido en Luton (Bedfordshire). Con apenas dos años emigra a Estados Unidos y se nacionaliza en 1950. Licenciado en arte en la universidad de Yale en 1963, ingresa en el ejército ese mismo año y permanece en él dos años. En 1976 dirige The Bingo Long travelling all-stars and motor kings. Su prometedor debut le lleva a firmar con la Warner Bros para dirigir lo que será su mayor éxito, Fiebre del sábado noche (1977). Retrato de una juventud desencantada cuya única ilusión -y salvación- llega a través del baile, está interpretada por un entonces desconocido John Travolta al que proporciona una nominación al Oscar de la Academia y su primera ascensión al estrellato internacional. La película se convierte rápidamente en uno de los iconos de los años setenta y su banda sonora, interpretada por los Bee Gees, llega al número uno de las listas de ventas en prácticamente todo el mundo. La posición de privilegio que adquiere con Fiebre del sábado noche le lleva a realizar obras más ambiciosas. Drácula (1979), revisión del clásico de Bram Stoker, le lleva a uno de sus fracasos más estrepitosos. Su siguiente película, Mi vida es mía (1981), tampoco consigue que su carrera comercial remonte el vuelo. Este film intimista es una de sus películas más personales y la única abiertamente dramática de su filmografía, dominada por el cine de acción. Se especializa desde entonces en películas de acción, El trueno azul (1983), interpretada por Roy Scheider, es un claro ejemplo. Juegos de guerra (1984) combina el cine juvenil con una moraleja antimilitarista muy del gusto de la época. Cortocircuito (1986) marca uno de los puntos más bajos de su trayectoria. Vuelve a trabajar con su amigo Richard Dreyfuss en Procedimiento ilegal (1987), y en su secuela En el punto de mira (1993).

Ayumu Murase

Reparto · Conocido por Haikyu!!, Goodbye, Lara, Magic Knight Rayearth (2026)

Ayumu Murase (村瀬 歩, Murase Ayumu, 14 de diciembre de 1988) es un actor de doblaje (seiyuu) japonés nacido en California, Estados Unidos. Está afiliado a ASTAR9. Anteriormente estuvo afiliado a VIMS. En 2016, ganó el décimo premio Seiyu Awards como mejor actor de doblaje masculino. Ayumu es su nombre artístico y su nombre real es desconocido, mientras que Murase es su apellido real.

Jon Amiel

Dirección · Conocido por La Emboscada

Director de cine británico nacido en Londres. Tras estudiar Literatura en la Universidad de Cambridge, y dedicarse durante algunos años al teatro, comienza a trabajar en televisión como editor y director. Obtiene notables éxitos como el mediometraje Nobody’s property, que es premiado en el festival internacional de Montecarlo, o la miniserie coescrita con Dennis Potter, The Singing detective. En 1983 debuta en la dirección cinematográfica con Reina de corazones (1989). Esta historia de tres generaciones de emigrantes italianos en Londres, narrada desde el punto de vista de un niño de diez años, y protagonizada por actores desconocidos, le proporciona el reconocimiento de la crítica y le da la posibilidad de trabajar en los Estados Unidos. Su primera película americana es Tune in tomorrow (1990), una adaptación escrita por William Boyd de la novela de Mario Vargas Llosa La tía Julia y el escribidor. Ambientada en Nueva Orleans, y protagonizada por Barbara Hershey y Keanu Reeves, le pone en contacto con el productor de origen israelí Arnon Milchan para su siguiente proyecto, y la que es su película más conocida hasta el momento, Sommersby (1993). Se trata de un remake de la película francesa dirigida por Daniel Vigne El regreso de Martin Guerre en el que Richard Gere, también productor ejecutivo, interpreta a un soldado que regresa a casa tras ser dado por muerto en la guerra civil americana. Jodie Foster le acompaña en un papel más romántico de lo que en ella es habitual. En 1995 rueda Copycat, un interesante thriller en el que Holly Hunter y Sigourney Weaver interpretan a una policía y una psicóloga especializada en el comportamiento de los asesinos psicópatas. Su colaboración con Arnon Milchan continuí en las siguientes películas entre las que destaca, El Hombre que no sabía nada (1997), protagonizada por Bill Murray y escrita por el prestigioso Howard Franklin, donde volvió a rodar en su Londres natal.

Hayao Miyazaki

Dirección · Conocido por El increíble castillo vagabundo, El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke

Hayao Miyazaki (Miyazaki Hayao, nacido el 5 de enero de 1941) es un dibujante de manga japonés y un destacado director de cine y animador de muchos largometrajes de anime populares. A lo largo de una carrera de casi cinco décadas, Miyazaki ha alcanzado la fama internacional como realizador de largometrajes de animación y, junto con Isao Takahata, cofundó Studio Ghibli, un estudio de animación y una productora. El éxito de las películas de Miyazaki ha hecho que se le compare con el animador estadounidense Walt Disney, el británico Nick Park y Robert Zemeckis, pionero de la animación por captura de movimiento, y ha sido nombrado una de las personas más influyentes por la revista Time. Miyazaki comenzó su carrera en Toei Animation como artista intermedio en El viaje espacial de Gulliver (1965), en la cual propuso ideas que quedaron plasmadas en el final de la película. Siguió trabajando en varios puestos en la industria de la animación durante la década hasta que pudo dirigir su primer largometraje Lupin III: El castillo de Cagliostro, que se publicó en 1979. Tras el éxito de su siguiente película, Nausicaä del Valle del Viento (1984), cofundó el Studio Ghibli, donde continuó produciendo muchos largometrajes hasta La princesa Mononoke, cuando se retiró temporalmente. Aunque las películas de Miyazaki fueron durante mucho tiempo un éxito comercial y de crítica en Japón, en Occidente seguía siendo un gran desconocido hasta que Miramax estrenó su película La princesa Mononoke en 1997. La princesa Mononoke fue la película más taquillera en Japón (hasta que fue eclipsada por Titanic, de ese mismo año) y la primera película de animación que ganó el premio a la película del año en los premios de la Academia japonesa. Miyazaki volvió a la animación con El viaje de Chihiro (2001). Esta película superó las ventas de Titanic en la taquilla japonesa, ganó el premio a la mejor película del año en los premios de la Academia japonesa y fue la primera película de anime en ganar un premio de la Academia estadounidense. Las películas de Miyazaki suelen plantear temas recurrentes, como la relación de la humanidad con la naturaleza y la tecnología, o la dificultad de mantener una ética pacifista. Como reflejo del feminismo de Miyazaki, las protagonistas de sus películas suelen ser chicas fuertes e independientes o mujeres jóvenes. Miyazaki es un crítico declarado del capitalismo y la globalización. Mientras que dos de sus películas, El castillo de Cagliostro y El castillo en el cielo, incluyen villanos tradicionales, sus otras películas, como Nausicaa o La princesa Mononoke, presentan antagonistas moralmente ambiguos con cualidades redentoras.

Rebecca De Mornay

Rebecca Jane Pearch, conocida artísticamente como Rebecca De Mornay, es una actriz de cine y televisión estadounidense. Nació en Santa Rosa, en el estado de California, como Rebecca George. A la edad de cinco años murió su padrastro, Richard De Mornay, de quien proviene su apellido. Su madre se trasladó entonces con ella y su hermanastro a Europa, donde creció principalmente en Inglaterra y en Austria. Obtuvo su graduación escolar en Austria. De Mornay comenzó a estudiar interpretación en el Instituto Lee Strasberg, en Los Ángeles, y realizó un aprendizaje en los estudios de Francis Ford Coppola. Allí tuvo ocasión de debutar en cine, en una película del mismo Coppola: un papel pequeño en Corazonada (One from the Heart). Poco después dio el salto en el cine en un papel de relieve, en la película de 1983 Risky Business, protagonizada por un joven y casi desconocido Tom Cruise, y que tuvo un gran éxito de taquilla. Su interpretación de una joven prostituta que acaba montando un negocio en la casa de Cruise, mientras los padres de este se encuentran de viaje, le valió críticas muy positivas. En los años siguientes, De Mornay intervino en algunas películas con actores importantes: con Jon Voight en Runaway Train, y con Kurt Russell en Backdraft. Con el veterano director Roger Vadim rodó un remake de Y Dios creó a la mujer, filme que había lanzado a la fama a Brigitte Bardot. Pero no tuvo el éxito esperado. Sin embargo, su siguiente éxito destacado fue el thriller La mano que mece la cuna, en la que interpreta magistralmente a una vengativa niñera de un bebé que se gana la confianza de la madre, para después actuar de forma imprevista. Con estas películas de Mornay demostró sus dotes de interpretación en muy variados papeles, si bien el éxito de la última condicionó sus siguientes trabajos, encasillándola en papeles de «mala» o ambigua. Así, interpretó el turbio personaje de Milady en Los tres mosqueteros (1993) y un thriller erótico: Nunca hables con extraños, con Antonio Banderas. En 2012 participó en American Reunion, interpretando a Rachel, la madre de Finch. Al mismo tiempo que intervenía en películas de cine, De Mornay actuaba en películas y miniseries para la televisión, a razón de una o dos producciones por año. Ha mantenido su interés por este medio en años recientes, y sigue actuando regularmente en televisión. También ha actuado en algunas ocasiones en el teatro, sobre todo en producciones montadas en teatros de Los Ángeles, como en el prestigioso Pasadena Playhouse. De Mornay se casó en dos ocasiones. Su primer matrimonio duró solo dos años y acabó en divorcio. Se casó por segunda vez con Patrick O'Neal, hijo del actor Ryan O'Neal, con el que tiene dos hijas: Sophia, nacida el 16 de noviembre de 1997 y Verónica, nacida el 31 de marzo de 2001. Se divorció en 2002. También vivió una relación sentimental con el conocido cantante Leonard Cohen.

László Benedek

Director de cine y guionista estadounidense, nacido en Budapest (Hungría). Trabajó como guionista y editor en el cine húngaro hasta la Segunda Guerra Mundial. Louis B. Mayer ayudó a Benedek a escapar de Europa, era judío, y le llevó a Hollywood, donde dirigió su primera película para la MGM, como director sustituto, en 1944. Benedek se ganó un amplio reconocimiento por la dirección de Muerte de un viajante (1951), por la que ganó el Globo de Oro al mejor director y una nominación al premio al mejor director del Sindicato de directores de Estados Unidos. Sin embargo, Benedek es más recordado por su siguiente trabajo, la película Salvaje (1953). La cinta causó gran controversia y fue prohibida en el Reino Unido hasta 1968. László Benedek que hablaba varios idiomas, dirigió la película Kinder, Mütter und ein General (1955) en Alemania y Recours en grâce (1960) en Francia. Aunque realizó más películas para Hollywood, paralelamente se convirtió en un director importante de series de televisión, a partir de su trabajo en Perry Mason en 1957. Dirigió varios episodios de otras series, como Rumbo a lo desconocido, Mannix, Viaje al fondo del mar, Los intocables y La hora de Alfred Hitchcock. Murió en 1992 en el Bronx, Nueva York.

Hayden Christensen

Hayden Christensen nació el 19 de abril de 1981 en Vancouver, Columbia Británica, Canadá. Sus padres, Alie y David Christensen, están en el negocio de las comunicaciones. Él es de ascendencia danesa (padre) y sueco e italiano (madre). Hayden creció en Markham, Ontario, con los hermanos Kaylen, Hejsa y Tove. Hayden se propuso convertirse en actor cuando un encuentro casual a la edad de ocho años lo colocó en su primer comercial, para Pringles. Cuando tenía trece años, tuvo papeles protagónicos en varias series dramáticas de televisión. Su mayor descanso fue una parte importante en Tierras altas (2000) de Fox Family Network. En la serie, Hayden mostró su talento para actuar como un adolescente que fue abusado sexualmente por su madrastra y recurre a las drogas con desesperación. Más tarde, apareció en la película de televisión La caída (2000), donde coprotagonizó con su amigo Jonathan Jackson. Hayden también tuvo un papel en la película Las vírgenes suicidas (1999). El 12 de mayo de 2000, se anunció que Christensen interpretaría a Anakin Skywalker en las precuelas Star Wars: Episodio II - El ataque de los clones (2002) y Star Wars: Episodio III - La venganza de los Sith (2005). La estrella fue elegida por el director George Lucas porque sintió que Hayden tenía talento y buena química con la actriz Natalie Portman. Lucas sorprendió al mundo del cine al elegir al actor entonces desconocido después de haber rechazado nombres tan importantes como Leonardo DiCaprio y Jonathan Jackson, así como otros 400 candidatos. Su papel como el problemático e incomprendido adolescente Sam Monroe en La casa de mi vida (2001) de Irwin Winkler le valió el premio "Mejor actuación del año" de la National Board of Review. La película también lo colocó como nominado al 'Mejor actor de reparto' en los premios Golden Globe y Screen Actors Guild Awards. Luego, Hayden protagonizó El precio de la verdad (2003), citado por algunos de los verdaderos colegas de Stephen Glass como una representación espeluznante y extraña. Desde sus días de Star Wars, Hayden ha encabezado varias películas de acción, incluidas Jumper (2008) y Ladrones (2010). Cuando no está trabajando, le gusta pasar tiempo de calidad con su familia (como el hermano mayor Tove), salir con sus amigos y explorar otros pasatiempos como el blues, el jazz y el piano. Hayden tuvo una relación con la actriz Rachel Bilson de 2007 a 2017. Los dos tienen un hijo, nacido en 2014.

Cantinflas

Mario Fortino Alfonso Moreno Reyes, universalmente conocido como Cantinflas, fue un legendario actor, comediante, productor y guionista mexicano nacido el 12 de agosto de 1911 en la Ciudad de México. Criado en el humilde barrio de Tepito como uno de los doce hijos de un empleado de correos, Moreno intentó escapar de la pobreza probando suerte en múltiples oficios, que incluyeron el boxeo, el toreo cómico, la fotografía y el servicio postal. Su verdadero destino comenzó a trazarse a finales de la década de 1920, cuando se unió a las "carpas" mexicanas, unos teatros ambulantes populares donde nació su icónico personaje: un pícaro de barrio bajo, con pantalones caídos, un trozo de soga como cinturón, un pañuelo al cuello y un peculiar bigote rasurado en los extremos. La principal genialidad del personaje radicaba en su habla, una verborrea incoherente y disparatada con la que lograba salir bien librado de las situaciones más complejas frente a la autoridad o los poderosos, un fenómeno lingüístico tan influyente que años más tarde la Real Academia Española acuñó formalmente el verbo "cantinflear". Su salto a la pantalla grande en los años 30 consolidó rápidamente su fama nacional, pero fue en 1940 con el estreno de Ahí está el detalle cuando se consagró definitivamente como el comediante más importante del cine de oro mexicano, encadenando éxitos masivos durante décadas como El gendarme desconocido, El siete machos, El bombero atómico y El padrecito. Su carisma y agilidad mental no tardaron en cruzar fronteras, llevándolo a Hollywood en 1956 para protagonizar la superproducción La vuelta al mundo en 80 días en el papel de Paspartú, una interpretación magistral que le valió el premio Globo de Oro al mejor actor de comedia o musical. A pesar del éxito internacional, Moreno prefirió mantener el control de su carrera en México y en su propio idioma, alternando su labor cinematográfica con una intensa actividad filantrópica, un firme liderazgo en el sindicato de actores (ANDA) y la cría de toros de lidia. En el ámbito personal, estuvo casado con Valentina Ivanova desde 1936 hasta el fallecimiento de ella en 1966, con quien adoptó a su único hijo, Mario Arturo Moreno Ivanova. Retirado de las pantallas en la década de los 80, el entrañable artista falleció el 20 de abril de 1993 en su ciudad natal a causa de un cáncer de pulmón, dejando tras de sí un legado imborrable de risas y sátira social que lo convirtió en un símbolo imperecedero de la identidad popular latinoamericana.

George C. Scott

George Campbell Scott, (Wize, Virginia, Estados Unidos; 18 de octubre de 1927 - California; 22 de septiembre de 1999) fue un actor de carácter del cine clásico estadounidense ganador de un Óscar en 1971 por su interpretación del General Patton, siendo el primer actor en la historia de los premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en rechazar el codiciado premio. Nació en Wise, en el estado de Virginia con el nombre de George Campbell Scott. Su madre murió cuando tenía ocho años y su padre, que era un ejecutivo de la empresa Buick, se ocupó de él. En 1945 Scott se alistó en los marines y estuvo durante cuatro años en activo pero no llegó a estar en el frente, fue destinado el resto del servicio como soldado-sepulturero en el Cementerio de Arlington donde inhumaba decenas de soldados cada día provenientes de los frentes de Europa y el Pacífico. Esta actividad lo sumergió en el alcohol y cuando descubrió su pasión por la interpretación pareció dejar el alcoholismo. Cuando se licenció decidió estudiar periodismo en la universidad de Misuri. Allí actuó en alguna ocasión en el teatro universitario, y descubrió su pasión por la interpretación. Se preparó para esta actividad y marchó luego a Nueva York a probar suerte en el teatro. Hacia finales de los años 50 consiguió un papel en Ricardo III que resultó un gran éxito, a raíz del cual los críticos se fijaron en ese joven actor desconocido. Pronto recibió ofertas para la televisión, que generalmente eran papeles de obras teatrales que se grababan en directo, y que constituían una buena escuela para todos los actores. En 1959 Scott consiguió su primer papel importante en el cine, en la película Anatomía de un asesinato, en la que interpretó al fiscal inflexible. Este papel le valió una nominación al Óscar como mejor actor de reparto. Scott era del todo contrario a los Óscar, ya que consideraba que era una forma de promocionar a los actores y de hacer negocio. Cuando en 1962 fue nominado nuevamente, en esa ocasión por The Hustler, con Paul Newman, envío una nota que decía "No, gracias.", rechazando la nominación. No obstante, la Academia no pareció tomarse a mal su actitud, ya que en 1963 fue nominado por tercera vez por la película de suspenso The List of Adrian Messenger. Al año siguiente Scott intervino en el papel de general en la comedia anti-belicista de Stanley Kubrick Dr. Strangelove. Durante el rodaje, según el DVD, Scott creía que estaba haciendo una película bélica seria y Kubrick le engañaba haciéndole rodar escenas con una actuación muy exagerada, las cuales rodó y usó en el montaje, hecho por el que Scott se enfadó y juró no volver a trabajar con Kubrick. En 1970 hizo su mejor película, Patton, en la que encarna al famoso general en jefe de la Segunda Guerra Mundial. En esta ocasión, ganó el Óscar al mejor actor principal, pero Scott, fiel a sus ideas, permaneció en su hogar viendo un partido de hockey en la televisión, y rechazó el premio. Fue la primera vez que tal evento ocurrió. En 1972, Marlon Brando también rechazaría el premio.

Sergio Leone

Dirección · Conocido por El Bueno, El Malo y El Feo, Érase una vez en América

Sergio Leone fue un guionista, productor y director de cine italiano. Es uno de los directores más famosos de la historia del cine, y es sobre todo conocido por sus spaghetti western. Sergio, aún muy joven, entra en la industria del cine, y con 20 años es actor y asistente de dirección de Ladri di biciclette (1948) de Vittorio de Sica. Después estaría en grandes producciones estadounidenses rodadas en Europa. Entre ellas Quo Vadis? (1951) de Mervyn Le Roy, Helena de Troya (1955) de Robert Wise, Ben-Hur (1959) de William Wyler o Historia de una monja (1959) de Fred Zinnemann. En 1959 le dieron la oportunidad de sustituir, por enfermedad, al director Mario Bonnard durante el rodaje de Los últimos días de Pompeya, aunque no pudo firmar la película. Su primera película oficial fue El coloso de Rodas (1960) y dos años más tarde sustituiría de nuevo a un director, Robert Aldrich, en Sodoma y Gomorra. Aldrich fue una influencia clave para Leone, con películas como Veracruz (1954), donde el perfil clásico del western se desdibuja con personajes más ambiguos y carentes de valores. A partir de aquí comienzan sus obras más personales, que se inicia con la famosa trilogía western, también conocida como Trilogía del dólar, en coproducción con varios países europeos y rodada en la árida región de Tabernas, Almería (España), así como en las proximidades de Carazo en la Sierra de la Demanda, Burgos. La trilogía obtuvo un inesperado gran éxito, conduciendo al western a su último período cinematográfico, el llamado spaghetti western, género muy cultivado en el cine de los 70, además de aportar dos nuevos talentos al medio, el compositor Morricone, amigo desde la infancia del director, y el actor Clint Eastwood, desconocido hasta entonces, al que el director contrata entre un grupo de actores. El personaje creado para Eastwood, "el hombre sin nombre", es el prototipo de antihéroe del espagueti western. Hombre duro y solitario, sin escrúpulos ni sentimientos y movido por el dinero. De esta manera Leone crea un icono del cine, personalidad ruda, pocas palabras, mirada de hielo, invencible en múltiples duelos. Siempre vestido con un poncho raído y un cigarro en los labios, es capaz de matar a sangre fría, si es necesario por la espalda, para conseguir su objetivo. Es un personaje que se convertirá en estereotipo en múltiples films y que influirá de forma decisiva a directores, actores e incluso a los dibujantes de cómic actuales. Como anécdota curiosa, cabe destacar que Por un puñado de dólares tuvo ciertos problemas legales al plagiar una película anterior de Akira Kurosawa titulada Yojimbo (1961). Tras esta trilogía no deja la temática del western y filma una de sus obras maestras, Hasta que llegó su hora, un western crepuscular rodado en Cinecittà, Almería y en los mismos escenarios estadounidenses en los que rodó la mayor parte de sus películas su admirado John Ford.

Mónika Rojas

Mónika Rojas Productora y actriz con formación en cine, teatro y televisión. Estudió la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación con especialidad en Producción Audiovisual en el Tec de Monterrey Campus Estado de México. Y la carrera en Arte Dramático en la Escuela deCarlos Ancira y la especialidad de la técnica en L.A. Stella Adler Studio con maestros como Ron Burrus. Productora general del 2016 al 2021 del festival Shorts México, Festival Internacional de Cortometrajes de México. Produjo 13 emisiones del programa de televisión Espacio Shorts México, dirigido por Rafa Lara; para Total Play. Ha trabajado el área de producción como Gerente de Producción, productora en línea y productora general en 6 largometrajes y 8 cortometrajes con diferentes rutas de festivales y exhibición. Entre los documentales destacan: Mi Mariachi de Jorge Adrián Espíndola (Ganadora a mejor largometraje de comedia en el Festival de Cine 24 risas X segundo y actualmente en VIX), Seré breve al momento de morir de Juan Briseño (ganador de Foprocine 2021) , Aniela de Allan Fis, 90 días para el 2 de julio de Rafael Martínez García (Selección oficial en FICM 2021 y estreno en salas comerciales en el 2023), Apenas Primavera de Rafael Martínez García (por estrenarse), el largometraje documental Leonora después del pincel de Alan David Cabrera, con amplia exhibición en festivales) y La piel ajena de Arturo Castelán (En post producción). Actualmente está en etapa de desarrollo del documental sobre la legendaria diva del cine mexicano Dolores Del Río: La dama de luz. Como actriz, lleva 20 años ininterrumpidos de trabajo en cine, teatro y televisión, con series actualmente en AMAZON y Netflix. Está por estrenar los largometrajes: Los demonios del edén de Julián Hernández y Apenas primavera de Rafael Martínez García. Actualmente está en cartelera en el largometraje No quiero ser polvo de Iván Lowenberg y en las series El centauro del norte por Star+, El desconocido II en Netflix y Reels Escape por Island Hub.

Osamu Kobayashi

Osamu Kobayashi (小林 治, Kobayashi Osamu, 10 de enero de 1964 – 17 de abril de 2021), nacido en Tokio, fue un ilustrador, diseñador mecánico, realizador y director de anime. Hermano del también creador Makoto Kobayashi (小林 誠, Kobayashi Makoto), Osamu se movió desde muy joven en entornos creativos, aunque su entrada en la industria del anime no fue inmediata. En los últimos años, quizás para evitar confusiones, solía usar el nombre Osamu Kobayashi (コバヤシオサム) escrito en katakana. Tras finalizar la educación secundaria, trabajó como diseñador y mangaka, hasta que en 1997 su participación en el videojuego «Grandia» como responsable del diseño del mundo marcó un punto de inflexión en su trayectoria. A partir de entonces, orientó su carrera hacia los campos del juego y la animación. Su debut como director llegó en 2002 con el cortometraje «table&fishman», incluido en la antología Digital Juice. Ese mismo año dirigió también «End of the world», consolidando una voz autoral marcada por la experimentación y la libertad formal. El reconocimiento le llegó con la serie «BECK», donde ejerció simultáneamente como director, compositor de serie, guionista, diseñador de personajes, guionista gráfico y animador. Su adaptación del manga musical se convirtió en una obra de culto y en uno de los títulos más representativos de su carrera. En «Paradise Kiss», adaptación del manga de Ai Yazawa, volvió a asumir la dirección y la composición de la serie, aportando una estética elegante y un enfoque narrativo que respetaba profundamente el material original. Su estilo, descrito como «hardboiled y libre», se caracteriza por colores intensos, trazos expresivos y una fuerte personalidad visual que le granjeó una base de seguidores fieles. Kobayashi fue también conocido por su capacidad para descubrir y apoyar a jóvenes animadores, como Ryōchimo (りょーちも) y Kenichi Kutsuna (沓名健一), a quienes dio oportunidades en sus proyectos cuando aún eran prácticamente desconocidos . Su interés por la animación clásica se reflejaba en su admiración por el legendario animador Yoshinori Kanada (金田伊功), de cuyo fanclub fue organizador . Además de su trabajo creativo, Kobayashi mantuvo una relación cercana con el público y con otros profesionales del sector. Organizó regularmente el evento «Kobayashi Osamu no Anime-dō» (コバヤシオサムのアニメ道), un espacio de conversación y reflexión sobre la industria que reforzaba su papel como figura accesible y comprometida con la comunidad de fanes y creadores . Su carrera abarcó una amplia variedad de géneros y formatos: desde la animación mecánica en «Dragon’s Heaven» y «Venus Wars», hasta la dirección de episodios en series como «Gurren Lagann», «Lupin III Part IV», «Dororo», o su labor como director de varios episodios especiales de «Naruto Shippūden» (episodios 480–483). También exploró proyectos más personales, como la serie «Rinshi!! Ekoda-chan», donde asumió prácticamente todos los roles creativos en el episodio 11, desde el guion hasta la edición y el sonido . Osamu Kobayashi falleció el 17 de abril de 2021 a causa de un cáncer de riñón, tras dos años de tratamiento, a los 57 años. *** No debe confundirse con el director de animación homónimo y fundador del estudio Ajia-do Animation Works.

Masaaki Mizunaka

Reparto · Conocido por Bungou Stray Dogs, Full Clearing Another World under a Goddess with Zero Believers, テムパル～アイテムの力～

Masaaki Mizunaka (水中 雅章, Mizunaka Masaaki) es un actor de voz (seiyuu) japonés nacido el 20 de enero de 1990 en Iwakuni, prefectura de Yamaguchi. Desde pequeño soñaba con trabajar en un zoológico, pero su vocación cambió al quedar fascinado por el doblaje de la serie estadounidense Full House, especialmente por la interpretación de Hochu Otsuka. Este descubrimiento lo llevó a estudiar en la sede de Hiroshima de la Yoyogi Animation Academy, donde comenzó a forjar su carrera como seiyuu. Debutó profesionalmente en 2014 y desde entonces ha prestado su voz a una amplia variedad de personajes en anime, videojuegos y doblajes. Su primer papel protagonista llegó en 2018 con el personaje de Diablo en Isekai Maou to Shoukan Shoujo no Dorei Majutsu, donde demostró una notable capacidad para alternar registros vocales sin necesidad de cortes en la grabación. También ha destacado como Keisuke Baji en Tokyo Revengers, Ryuen Sho en Classroom of the Elite, y Poncho Panacotta en How a Realist Hero Rebuilt the Kingdom. Está representado por la agencia Production Baobab y es conocido por su versatilidad vocal y energía interpretativa. En lo personal, es el segundo de cuatro hermanos, habla el dialecto de Yamaguchi, y tiene como aficiones el baloncesto (fue capitán en su etapa escolar), ver programas de humor y explorar caminos desconocidos a pie.

William Asher

Dirección · Conocido por Hechizada, Yo Amo a Lucy

Director de cine estadounidense, nacido en Nueva York. Debutó en la dirección cinematográfica con Leather gloves (1948), codirigida con Richard Quine. Durante muchos años alternó el cine con distintas labores dentro del mundo de la televisión, entre éstas destacaron la realización de episodios en algunas de las series de televisión más conocidas de los años cincuenta y sesenta, como I love lucy, Embrujada y The twilight zone. Tras un paréntesis de casi diez años, dirigió The 27th day (El día 27, 1957), fantasía de ciencia-ficción sobre un grupo de cinco personas de diferentes razas que son secuestradas por extraterrestres y deben salvar al planeta de su destrucción. En 1963 entró en contacto con los productores Samuel Z. Arkoff y James H. Nicholson, especialistas en películas de serie B que habían trabajado, entre otros, con Roger Corman, y comienzo a dirigir para su productora, America International Pictures. Su primera colaboración fue Escándalo en la playa (1963), con la que será pareja protagonista en la mayor parte de sus trabajos para American, Frankie Avalon y Annette Funicello. El éxito que obtuvo entre el público juvenil le llevó a realizar una secuela al año siguiente, Muscle Beach Party (1964), y a especializarse en vehículos para la pareja en los que a veces cuenta con invitados de excepción, como Stevie Wonder en Bikini Beach, o Buster Keaton en Beach Blanket Bingo. La última de estas películas es Fireball 500 (1965), ambientada en el mundo de las carreras de coches. Al margen de sus producciones de ambiente playero, dirigió Johnny el frío (1963), considerada por muchos su mejor película. Henry Silva dio vida a un gánster siciliano que planea su venganza contra sus antiguos jefes. En un reparto con actores desconocidos procedentes de las películas de bajo presupuesto que tan bien conocía, destacó la presencia de un joven Telly Savallas y un pequeño papel de Sammy Davis Jr. Se trata de uno de los más sádicos thrillers de los sesenta. Tras su aventura cinematográfica, volvió a dedicarse casi por entero a la televisión.

Emile Ardolino

Director y productor de cine estadounidense, nacido en Maspeth, Nueva York. Su primer trabajo en el mundo del espectáculo fue de asistente de Brian De Palma en su opera prima The wedding party (1966). Al mismo tiempo, trabajó en televisión, primero como coreógrafo y más tarde como director. En 1984 gana el Oscar al mejor largometraje documental con He makes me feel like dancing, un retrato de Jacques D’Ambroise, director del National Ballet Institute, realizado durante ensayos y giras del New York City Ballet. Su familiaridad con el mundo de la danza le lleva a dirigir la que será su película más famosa y su mayor éxito de público, Dirty Dancing (1987). Protagonizada por Patrick Swayze y la desconocida Jennifer Grey, se convirtió rápidamente en una de las sorpresas del año y del momento. El éxito no vuelve a repetirse con su siguiente película, la comedia de enredo sobrenatural El Cielo se equivocó, pese a contar en su reparto con Ryan O’Neal, Cybill Sheperd y Robert Downey Jr. En 1990 realiza Tres hombres y una pequeña dama, secuela de Tres hombres y un bebé, a la que le seguirá Una monja de cuidado (1992), con la que se resarce en parte de sus anteriores fracasos comerciales. Utilizando la estructura clásica de Bola de fuego de Howard Hawks, cuenta la historia de una cantante de color, Whoopi Goldberg, que se esconde de la mafia en un convento de monjas haciéndose pasar por una de ellas. La película tendría al año siguiente una secuela dirigida por Bill Duke. George Ballanchine’s Nutcracker, sobre el ballet El Cascanueces de Tchaikowski, y protagonizado por Macaulay Culkin y Kevin Kline fue su último trabajo. Ardolino no llegó a verlo estrenado, ya que enfermo de sida y murió a finales de noviembre de 1993.

James L. Brooks

Guionista · Dirección · Executive Producer · Conocido por El Show de Mary Tyler Moore, Espanglish, Los Simpson

Director de cine estadounidense, nacido en North Bergen (Nueva Jersey). Antes de dedicarse al cine, trabaja durante muchos años en televisión donde después de realizar diversos oficios participa en la producción de series emblemáticas del medio en los sesenta, como El show de Mary Tyler Moore, Lou Grant o Taxi. Escribe el guión de Comenzar de nuevo (1979), de Alan J. Pakula. Debuta como director con la adaptación de la novela de Larry McMurtry, La fuerza del cariño (1983), que además escribe y produce. Retrato de la relación entre una madre y una hija a través de los años, acapara los Oscar de la Academia de ese año. El propio Brooks gana tres, mejor película, mejor director y mejor guión, y su pareja protagonista, Shirley MacLaine y Jack Nicholson, reciben los de mejor actriz y mejor actor secundario. En total, cinco premios de once candidaturas para esta amarga comedia. Cuatro años más tarde, con su segunda película, Al filo de la noticia (1987), obtiene otras nueve nominaciones, pero no consigue ninguno de los premios. Protagonizada por William Hurt, Holly Hunter y Albert Brooks, esta espléndida historia sobre las relaciones de un grupo de periodistas en una emisora local de televisión le sitúa como uno de los más personales directores del Hollywood de los últimos tiempos, un verdadero psicopatólogo de la comedia romántica. Al mismo tiempo que continúa con su carrera cinematográfica, no abandona la televisión, medio para el que crea y produce junto con Matt Groening una de las series de dibujos animados más famosas de la historia, Los Simpson. En 1993 dirige la fallida Aprendiendo a vivir, protagonizada por Nick Nolte y Anne Heche. Mejor imposible (1997) es otra muestra de su capacidad para dirigir actores. Nicholson consigue su tercera estatuilla y uno de sus papeles más memorables, en el que da vida a un neurótico escritor que se enamora a pesar suyo de una camarera, una desconocida Helen Hunt que también resultó premiada.

Henry Jones

Reparto · Conocido por Vértigo

Henry Jones (1 de agosto de 1912 – 17 de mayo de 1999) fue un actor teatral, cinematográfico y estadounidense. Su nombre completo era Henry Burk Jones, y nació en Filadelfia, Pensilvania. Sus padres eran Helen Burk y John Francis Xavier Jones, y su abuelo fue Henry Burk, componente de la Cámara de Representantes de los Estados Unidos elegido por Pensilvania. Jones estudió en la Saint Joseph's Preparatory School, centro regido por la Compañía de Jesús. Jones es recordado por su papel del manitas Leroy Jessup en la película La mala semilla (1956), un papel que él interpretó en el circuito de Broadway. Otros de sus trabajos teatrales tuvieron lugar en las obras My Sister Eileen, Hamlet, El momento de tu vida, They Knew What They Wanted, The Solid Gold Cadillac, y Sunrise at Campobello, actuación por la cual ganó un Premio Tony. Jones actuó en más de 180 películas y programas televisivos. Entre sus trabajos para el cine figuran The Girl Can't Help It, 3:10 to Yuma, Will Success Spoil Rock Hunter? (Una mujer de cuidado), Vertigo, Cash McCall (El potentado), The Bramble Bush (El zarzal), Butch Cassidy and the Sundance Kid, Dirty Dingus Magee, Support Your Local Gunfighter (Látigo), y Arachnophobia (Aracnofobia). Para la televisión, Jones actuó en las series Alfred Hitchcock Presents, The Eleventh Hour, Channing, Phyllis, Galería Nocturna, Emergency!, Gunsmoke, Dimensión Desconocida, y The George Burns and Gracie Allen Show. Además, fue el primo del Dr. Smith en un episodio de 1966 de la serie Perdidos en el Espacio, "Curse Of Cousin Smith," y tuvo una gran actuación junto a R.J. Hoferkamp en el telefilm de 1968 de género western Something for a Lonely Man. Henry Jones falleció a causa de las complicaciones surgidas tras sufrir una caída en Los Ángeles, California, en 1999. Tenía 86 años de edad.

John Brahm

Dirección · Conocido por La Dimensión Desconocida, La hora de Alfred Hitchcock, Thriller

Cineasta germano-estadounidense de origen judío, de verdadero nombre Hans Brahm. Nacido en Hamburgo (Alemania), la vinculación de su familia al medio teatral posibilitaría su vocación postrera: sobrino de un importante productor teatral, llegará a ser notable director de escena, interviniendo además en dos oscuras películas como ayudante de dirección. Pero la subida en 1934 del nazismo al poder truncará su carrera teatral, abandonando en consecuencia el país y trasladándose a Gran Bretaña, donde pasó a desempeñar el puesto de director de producción antes de debutar como director de largometrajes con ‘Broken Blossoms’ (1936), ignota nueva versión del celebérrimo clásico de David Wark Griffith. Así y todo, su experiencia británica iba a resultar efímera, marchando al año siguiente a Hollywood como realizador de filmes de serie B; allí dirigirá algunos trabajos de aprendizaje más o menos logrados antes de firmar sus primeras películas significativas, ya en la década siguiente: ‘Vidas sin rumbo’ (1941), ‘Por fin se decidió’ (1943), ‘Semilla de odio’ (1944). Estos trabajos, relativamente anodinos por lo demás, no le impedirán abrazar durante el bienio 1944-1945 la más plena, e inesperada, inspiración: en efecto y fuera de toda duda, las obras maestras de Brahm son ‘Jack el destripador’ (1944) y ‘Concierto macabro’ (1945), magníficas realizaciones protagonizadas por Laird Cregar y fotografiadas por Lucien Ballard y Joseph LaShelle, respectivamente: la primera es una reconstrucción tan hábil como poética de las andanzas del mítico destripador londinense; todavía más redondeada y asumida, ‘Concierto macabro’ contiene el mejor trabajo de puesta en escena del director, con una secuencia tan absolutamente genial como la que cierra el filme, con el protagonista, un atormentado pianista-asesino, ejecutando su último concierto en medio de un auditorio en llamas. Dominadas por un trabajo fotográfico de estética expresionista, sendas incursiones exploran atmósferas amenazantes con inusitada precisión, haciendo hincapié en algunos elementos inquietantes -la niebla y la noche en ‘Jack el destripador’, el fuego en ‘Concierto macabro’-, denotando una voluntad de estilo que, en cualquier caso, no volvería a mostrar el cineasta. El resto de su filmografía es en extremo desigual, y al relativo desconocimiento de la misma, parcialmente olvidada, cabe sumar su progresiva sumisión a lo trivial: destacaremos únicamente ‘La huella de un recuerdo’ (1946), su último film importante, que junto a ‘Jack el destripador’ y ‘Concierto macabro’ completa una hipotética -aunque evidente- trilogía sobre la psicopatía criminal; ‘Una vida y un amor’ (1947), con Ava Gardner; ‘La Atlántida’ (1948), adaptación de una novela de Pierre Benoît codirigida junto a otros directores; ‘El ladrón de Venecia’ (1950), irrelevante film de aventuras, como el anterior al servicio de la llamada Reina del Technicolor, Maria Montez, en su último papel; ‘El mensaje de Fátima’ (1952), interesante aunque inconsistente aproximación al referido hecho milagroso; y ‘El Mago Asesino’ (1954), inútil contribución al cine de terror. Sus últimos y prolíficos años en activo -su retiro no tuvo lugar hasta 1966- los centraría en la realización televisiva, empero como mero destajista.